Se pensate che l'ultima fatica cinematografica della single più famosa del mondo sia solo una rassicurante coperta di Linus per nostalgici degli anni Novanta, vi state sbagliando di grosso. C'è un'idea diffusa, quasi una pigra accettazione collettiva, secondo cui Bridget Jones Un Amore Di Ragazzo rappresenti il trionfo della maturità sentimentale e la chiusura di un cerchio perfetto. La verità è molto più scomoda. Questo capitolo non è la celebrazione dell'amore che vince su tutto, ma il resoconto spietato di come l'industria culturale tenti di ibernare un'icona dentro uno stereotipo che non le appartiene più. Mentre il pubblico ride delle solite gaffe, io vedo il riflesso di un'ansia sociale profonda: l'incapacità di accettare che una donna possa esistere al di fuori della dialettica tra perdita e sostituzione maschile. La tesi che difendo è che questa pellicola, pur travestita da commedia romantica progressista, sia in realtà un atto di conservatorismo narrativo che tradisce lo spirito anarchico e sovversivo del personaggio originale.
Il mito della resilienza in Bridget Jones Un Amore Di Ragazzo
Il meccanismo narrativo che muove l'intera vicenda si basa su un presupposto che molti hanno accettato senza battere ciglio: la necessità del trauma per generare empatia. Abbiamo lasciato la nostra protagonista in un momento di stabilità e la ritroviamo immersa in un lutto che non serve a farla crescere, ma solo a resettare il cronometro della sua appetibilità sul mercato del desiderio. Molti critici sostengono che questo ritorno alle origini sia necessario per ritrovare il DNA del franchise. Io dico che è un trucco da prestigiatore. Togliere Mark Darcy dall'equazione non è una scelta coraggiosa, è il modo più semplice per evitare di scrivere una storia su come una coppia adulta affronta la noia del quotidiano. Preferiamo vedere una vedova che flirta con un trentenne piuttosto che una donna cinquantenne che negozia i propri spazi in un matrimonio lungo decenni. Questo film sceglie la strada della gratificazione istantanea, spacciando per emancipazione quello che è solo un altro giro di giostra nel parco giochi della giovinezza prolungata artificialmente.
La scelta del giovane insegnante, interpretato da Leo Woodall, non è un ribaltamento degli schemi di potere sessuale. È una mossa di marketing calcolata per attirare la Generazione Z senza alienare le boomer. Ma se guardate bene sotto la superficie della fotografia patinata londinese, noterete che la dinamica non cambia. La protagonista rimane l'oggetto di una contesa o la vittima di una serie di circostanze esterne che lei non governa mai davvero. Si muove nel mondo come se fosse ancora quella ragazza che contava le calorie e le unità di alcol nel 1996, ignorando che il mondo intorno a lei è diventato infinitamente più complesso e cinico. Il sistema cinematografico britannico ha creato un prodotto che funziona come un algoritmo: prende i punti di dolore del pubblico femminile e li anestetizza con una dose massiccia di umorismo autolesionista. Ma l'autolesionismo a cinquant'anni non fa più ridere come a trenta; assume i connotati di una mancata evoluzione psicologica che lo spettatore attento non può fare a meno di notare con un certo disagio.
La dittatura del ricordo e il mercato della nostalgia
Non si può analizzare questa operazione senza considerare il peso dell'eredità letteraria di Helen Fielding. C'è chi grida al miracolo perché la sceneggiatura cerca di restare fedele alle pagine del romanzo, ma la fedeltà in questo caso è una trappola. Il libro aveva una cattiveria di fondo, una malinconia che il grande schermo deve necessariamente smussare per non rovinare l'esperienza del sabato sera al cinema. Ne esce un ibrido strano. Da una parte si cerca di vendere l'idea di una donna nuova, libera dai diktat della taglia 42, dall'altra la si immerge in situazioni che ne ridicolizzano costantemente la dignità professionale e personale. Il lavoro di giornalista o produttrice televisiva viene sempre presentato come un accessorio buffo, mai come una vera fonte di identità o potere. Questo accade perché, nel codice non scritto della commedia romantica mainstream, una donna che ha successo nel lavoro senza avere un uomo accanto è una figura che spaventa ancora troppo i produttori di Hollywood.
L'uso dei social media all'interno del racconto è un altro esempio lampante di questa dissonanza. La nostra eroina alle prese con X o con le app di dating viene dipinta come un'aliena in un mondo di nativi digitali. È un cliché vecchio di quindici anni. Invece di esplorare come la tecnologia abbia realmente cambiato il modo in cui una madre single naviga nei sentimenti, il film si limita a usarla come espediente per la gag fisica. È qui che casca l'asino. Se vuoi essere una voce autorevole sul presente, non puoi trattare il presente come un fastidioso rumore di fondo. Devi sporcarti le mani con la realtà. Invece, la scelta è quella di rifugiarsi in una Londra idealizzata dove i problemi economici non esistono e dove ogni disastro può essere risolto con un discorso accorato sotto la pioggia o in una stanza d'ospedale.
Perché Bridget Jones Un Amore Di Ragazzo non è la rivoluzione che ci avevano promesso
Il punto centrale della questione non è se il film sia divertente o meno. Lo è, a tratti, grazie al carisma indiscutibile di Renée Zellweger che ormai abita il personaggio con una naturalezza quasi inquietante. Il punto è politico, nel senso più ampio del termine. Accettare questa narrazione significa confermare l'idea che l'unico modo per una donna di essere rilevante sia restare una eterna debuttante. Gli scettici diranno che è solo intrattenimento, che non dobbiamo chiedere ai film di essere trattati di sociologia. Io rispondo che proprio l'intrattenimento è il veicolo più potente per consolidare i pregiudizi. Quando guardiamo Bridget Jones Un Amore Di Ragazzo, stiamo guardando la negazione dell'invecchiamento come processo di acquisizione di saggezza. Ci viene detto che la bellezza sta nel restare goffi, nell'inciampare, nel non capire come funziona il mondo.
Immaginate per un momento se il protagonista fosse un uomo. Un vedovo di cinquant'anni che si comporta come un adolescente imbranato verrebbe visto come una figura patetica o tragica. Per lei, invece, usiamo l'aggettivo adorabile. C'è un sessismo benevolo in questa distinzione che mi fa saltare sulla sedia. Abbiamo bisogno di storie che celebrino la forza delle donne adulte, non che ne esaltino la fragilità come se fosse l'unica caratteristica capace di renderle amabili. La dinamica con il giovane toy-boy viene presentata come una boccata d'aria fresca, ma è solo l'ennesima conferma che la convalida deve arrivare da uno sguardo maschile, preferibilmente giovane e tonico, per essere considerata valida dalla società. Non c'è un momento in cui la protagonista dica a se stessa che va bene così, che la sua vita è piena anche senza quella specifica forma di attenzione.
Il peso del lutto come espediente commerciale
C'è un'ombra che aleggia su tutto il film ed è la gestione della memoria di Mark Darcy. La sua assenza è un buco nero che la sceneggiatura cerca di riempire con la leggerezza, ma il risultato è spesso stridente. La morte di un compagno di vita è un evento sismico, qualcosa che riscrive le coordinate dell'esistenza. Qui viene trattato come l'incipit di un nuovo livello di un videogioco. Ti hanno tolto una vita, ecco un nuovo set di strumenti per ricominciare. Questo approccio svilisce non solo il personaggio scomparso, ma anche la profondità del legame che avevamo imparato a conoscere nei capitoli precedenti. Si avverte la fretta di tornare al format abituale, quello della scelta tra due contendenti, quello dei triangoli amorosi che hanno fatto la fortuna del brand.
Se guardiamo ai dati del box office e alle reazioni dei focus group, emerge chiaramente che il pubblico vuole questo. Vuole essere rassicurato. Vuole credere che, nonostante le rughe e le tragedie, ci sarà sempre un principe azzurro o un giovane scudiero pronto a salvarci dalla solitudine. Ma il compito di un grande racconto non dovrebbe essere quello di assecondare i nostri desideri più pigri, bensì quello di sfidarli. Questo capitolo della saga fallisce perché non ha il coraggio di essere sgradevole. Non ha il coraggio di mostrare la noia, la rabbia vera, il senso di smarrimento che non si risolve con una battuta di spirito. Preferisce restare nella zona di comfort dei colori caldi e delle musiche pop accattivanti.
L'illusione della scelta nel cinema contemporaneo
Siamo di fronte a un paradosso interessante. Abbiamo più libertà creativa che mai, teoricamente, ma i grandi franchise sembrano avvitarsi su se stessi in una spirale di ripetizione infinita. La storia di questa produzione è la storia di una resistenza al cambiamento. Si è cercato di modernizzare la facciata senza toccare le fondamenta. Le fondamenta dicono che una donna da sola è un problema da risolvere. Anche quando sembra che lei stia scegliendo, le opzioni messe sul tavolo sono preconfezionate da una visione del mondo che appartiene al secolo scorso. Mi chiedo quando avremo il coraggio di vedere una Bridget che spegne il diario, esce di casa e semplicemente vive, senza dover rendere conto a nessuno del suo stato civile.
Non è una questione di essere contro le storie d'amore. Sono un grande fan del genere quando è fatto con onestà. Ma l'onestà richiede di guardare in faccia la realtà del tempo che passa. Vedere una donna che cerca di replicare i pattern comportamentali dei suoi trent'anni quando ne ha venti di più non è romantico, è una forma di negazione. E la negazione non è mai stata una buona base per una narrazione solida. Abbiamo bisogno di icone che invecchino con noi, che ci mostrino come si naviga nelle acque agitate della mezza età con una nuova forma di dignità, non che ci promettano una eterna giovinezza emotiva che non esiste nella realtà.
La grandezza del primo capitolo risiedeva nel fatto che Bridget era "una di noi" proprio perché sbagliava in modo umano e riconoscibile. Oggi, quella stessa umanità è diventata una maschera, un costume di scena che l'attrice indossa per compiacere una platea che ha paura di guardarsi allo specchio. Abbiamo trasformato una rivoluzionaria in una mascotte. Abbiamo preso una voce che gridava contro l'ipocrisia dei "singoli tra coppie" e l'abbiamo costretta a recitare la parte della vedova allegra che cerca ancora l'approvazione degli altri. È un peccato, perché c'era il potenziale per fare qualcosa di veramente dirompente. Si poteva esplorare la sessualità delle donne over 50 senza i filtri del ridicolo o del pruriginoso. Si poteva parlare di genitorialità tardiva con un piglio diverso. Invece, ci siamo accontentati dell'ennesima favola urbana dove tutto si aggiusta entro i titoli di coda.
Il vero atto di ribellione oggi sarebbe smettere di chiedere a questi personaggi di farci stare bene a tutti i costi. Dovremmo pretendere che ci dicano la verità, anche quando fa male, anche quando non prevede un nuovo fidanzato all'orizzonte. La vita non è un ciclo infinito di cadute e risalite amorose; a volte è una lunga camminata in pianura, e non c'è niente di male in questo. Ma la pianura non vende biglietti del cinema, non genera meme sui social, non permette di vendere i diritti di una colonna sonora piena di successi radiofonici. Siamo ostaggi di un'estetica della felicità obbligatoria che sta svuotando di senso le nostre storie più care.
Credere che questa pellicola sia un passo avanti per la rappresentazione femminile è l'illusione più grande di tutte, perché ci convince che la nostra identità rimanga ancorata per sempre alla capacità di attrarre un uomo, indipendentemente dall'età o dai traguardi raggiunti.
