C’è un’idea sbagliata che circola tra gli appassionati di cinema italiano contemporaneo, una sorta di nebbia critica che avvolge le opere considerate minori o di passaggio. Si tende a pensare che certe pellicole esistano solo per riempire i palinsesti televisivi pomeridiani o le library delle piattaforme streaming in cerca di contenuti locali. Invece, se guardiamo con occhio clinico a E Se Mio Padre Film, ci accorgiamo che il cinema non è fatto solo di grandi capolavori o di fallimenti colossali, ma di una zona grigia necessaria dove si riflettono le paure e le contraddizioni di una classe media che non sa più dove guardare. Spesso il pubblico dimentica che la narrazione cinematografica non deve per forza rivoluzionare il linguaggio per essere significativa, ma può limitarsi a essere uno specchio, a volte sbiadito ma onesto, di un momento storico preciso in cui il legame tra generazioni è diventato un enigma insolubile.
Il peso delle assenze e l’eredità di E Se Mio Padre Film
Il nocciolo della questione non è tanto la qualità tecnica o la forza della sceneggiatura, quanto la capacità di intercettare un vuoto pneumatico. Mi sono chiesto spesso perché certi titoli restino impressi nella mente degli spettatori nonostante non abbiano ricevuto premi internazionali o elogi sperticati dalla critica più severa. La risposta risiede in quella che io definisco la funzione terapeutica del quotidiano. In questo lavoro specifico, il regista Solange Teresi sceglie di esplorare il territorio minato dei segreti di famiglia, un tema che in Italia sembra non esaurirsi mai perché poggia su una struttura sociale dove il "non detto" è il vero collante tra le persone. Il film si inserisce in quel filone che cerca di rispondere a una domanda universale su cosa conosciamo davvero di chi ci ha messo al mondo. Chi crede che sia solo una commedia dai toni amari sbaglia prospettiva perché non vede la sottile operazione di smantellamento dell'autorità paterna che viene messa in atto scena dopo scena.
La vicenda si muove su binari apparentemente sicuri, ma deraglia sistematicamente ogni volta che il protagonista deve fare i conti con la realtà di un padre che non è chi diceva di essere. Questa non è solo una scelta narrativa, è una necessità politica in un Paese che ha vissuto per decenni sotto l'ombra di padri ingombranti, siano essi biologici o ideologici. Quando guardi questa produzione, non stai solo assistendo a una finzione, ma partecipi a un rito collettivo di sconsacrazione. Gli scettici diranno che la messa in scena manca di mordente, che la fotografia non osa abbastanza, che il ritmo è troppo compassato per i tempi frenetici del consumo moderno. Eppure, proprio questa lentezza, questo incedere quasi timoroso, restituisce la verità del trauma. Il dolore non corre a cento all'ora, il dolore ristagna e si muove con la pesantezza di chi deve traslocare una vita intera in poche scatole di cartone.
L’industria dei sentimenti e il mercato interno
Esiste un meccanismo nell'industria cinematografica italiana che spesso sfugge ai radar dei non addetti ai lavori. Si produce per un pubblico che cerca rassicurazione, ma gli si somministra, quasi di nascosto, una dose di realtà che non è pronto a digerire. Questo progetto ne è l’esempio perfetto. Sebbene venga venduto come un racconto di riconciliazione, nasconde tra le pieghe del montaggio un pessimismo cosmico sulla possibilità di capire veramente l'altro. Ho parlato con distributori che vedono in queste operazioni solo numeri, ore di visione da accumulare per soddisfare gli algoritmi dei colossi americani che ormai dettano legge nel nostro territorio. Mi dicono che il mercato chiede storie semplici, lineari, dove il bene e il male sono chiaramente distinti. Io però vedo un'altra realtà. Vedo un pubblico che, tra una risata forzata e un momento di commozione, cerca disperatamente di ritrovare i propri pezzi mancanti in E Se Mio Padre Film.
Il sistema produttivo attuale tende a penalizzare l'ambiguità. Se un'opera non è chiaramente un genere specifico, finisce nel limbo dei prodotti senza identità. Ma è proprio in questo limbo che si nasconde la verità. Il cinema italiano degli ultimi anni sta cercando di sopravvivere imitando modelli stranieri, perdendo però quel sapore di terra e di polvere che lo rendeva unico. In questa specifica pellicola del 2022, invece, c'è ancora un residuo di quella provincialità nobile che non cerca di scimmiottare Hollywood, ma accetta i propri limiti spaziali e mentali. È un'opera che parla ai figli che sono diventati adulti troppo presto e ai padri che non sono mai cresciuti, una dinamica che in Italia è diventata un marchio di fabbrica generazionale.
La critica e il malinteso del realismo
Molti critici hanno liquidato la questione parlando di "già visto." Sostengono che il tema dell'assenza e del ritorno sia stato sviscerato a sufficienza da registi di ben altro calibro. È un'argomentazione pigra. Dire che un tema è già stato trattato è come dire che non si dovrebbero più scrivere canzoni d'amore perché qualcuno l'ha già fatto nel Seicento. La forza di un racconto non sta nell'originalità del soggetto, ma nell'urgenza con cui viene narrato. Io trovo che l'urgenza qui sia palpabile proprio nella mancanza di artifici. Non ci sono grandi esplosioni emotive, non ci sono discorsi epici sotto la pioggia. C'è il silenzio di una cucina illuminata male, l'imbarazzo di una telefonata che non arriva, la banalità di un ufficio dove si consumano le ambizioni di una vita.
Il realismo non è la riproduzione fedele della realtà, ma la scelta di quali dettagli mostrare per far male al punto giusto. Quando il protagonista scava nel passato del genitore, non trova grandi tesori o crimini efferati, trova la mediocrità. Ed è questa la vera rivelazione scioccante che il pubblico fatica ad accettare. Vogliamo che i nostri padri siano eroi o mostri, non riusciamo ad accettare che possano essere stati semplicemente degli uomini mediocri, spaventati dalla vita quanto lo siamo noi. Questa è la sfida che viene lanciata allo spettatore, una sfida che molti preferiscono ignorare per non dover guardare troppo da vicino il proprio album di famiglia.
Il ruolo della distribuzione digitale nell’oblio creativo
Dobbiamo guardare in faccia la realtà di come consumiamo le storie oggi. Le piattaforme hanno trasformato il cinema in un flusso continuo, dove la singola opera perde di valore a favore della quantità. Questo contesto ha influenzato profondamente la percezione di molti titoli recenti. Spesso un film viene giudicato nei primi dieci minuti, e se non aggancia subito l’attenzione con un ritmo forsennato, viene bollato come noioso. Ma la noia è uno strumento narrativo potente se usato con intelligenza. È nello spazio della noia che nascono le riflessioni più profonde. Se togliamo al cinema il tempo della riflessione, lo trasformiamo in un giocattolo usa e getta.
Ho osservato come il pubblico interagisce con questi contenuti sui social media. Si cercano le clip veloci, le frasi ad effetto, i momenti da condividere nelle storie di Instagram. Eppure, questa opera resiste a tale frammentazione perché non ha momenti "instagrammabili." È un blocco unico di malinconia che richiede un'attenzione costante, quasi antica. Questo la rende anacronistica, certo, ma anche necessaria in un panorama che soffre di un deficit di attenzione cronico. La resistenza culturale passa anche attraverso la scelta di supportare lavori che non urlano per farsi sentire, ma che sussurrano verità scomode in un angolo della stanza.
Il mito della verità familiare
Perché siamo così ossessionati dal passato dei nostri genitori? Forse perché speriamo di trovare lì la giustificazione ai nostri fallimenti. Se mio padre ha sbagliato, allora io sono autorizzato a sbagliare. Se mio padre era un segreto vivente, allora la mia confusione ha un'origine nobile. Il cinema ha cavalcato questa ossessione per decenni, creando un vero e proprio sottogenere dell'indagine familiare. Tuttavia, qui avviene qualcosa di diverso. Non c'è una soluzione finale che rimette a posto tutti i pezzi del puzzle. Il finale rimane aperto, non nel senso pigro di chi non sa come chiudere la storia, ma nel senso filosofico di chi accetta che alcune domande non avranno mai una risposta.
Questa accettazione dell'ignoto è ciò che separa un prodotto commerciale standard da un'opera che ha l'ambizione di restare. Molti spettatori escono dalla visione insoddisfatti perché cercano la catarsi, vogliono il pianto liberatorio o la stretta di mano finale. Invece ricevono un dubbio. Un dubbio che li accompagna fino al parcheggio del cinema o sul divano di casa mentre scorrono i titoli di coda. È un'operazione quasi crudele, ma profondamente onesta. Non si possono ricucire strappi profondi decenni con una semplice chiacchierata chiarificatrice. La vita vera è fatta di strappi che restano lì, visibili, anche dopo che abbiamo provato a metterci sopra una toppa di buona volontà.
La sottile arte di raccontare il vuoto
Se guardiamo alla struttura tecnica, notiamo come la macchina da presa resti spesso a distanza, quasi avesse paura di invadere lo spazio dei personaggi. Non è una mancanza di coraggio, ma un segno di rispetto per l'intimità del dolore. In un'epoca in cui siamo abituati a vedere tutto, dai primi piani estremi ai dettagli più crudi della sofferenza umana, questa ritrosia è una boccata d'aria fresca. Ci insegna che non tutto deve essere mostrato per essere compreso. A volte, un’ombra lunga sulla parete dice molto di più di un monologo di cinque minuti sulle mancanze affettive.
I detrattori sostengono che questa estetica sia solo un modo per nascondere una povertà di mezzi. Io rispondo che la povertà di mezzi spesso aguzza l'ingegno e costringe a concentrarsi sull'essenziale. Quando non hai milioni di euro da spendere in effetti speciali o scenografie ridondanti, devi affidarti alla forza degli sguardi e alla precisione delle pause. È un cinema d'attore nel senso più puro del termine, dove ogni movimento del corpo diventa un segnale, un codice da decifrare. È una forma di resistenza contro la bulimia visiva contemporanea, un invito a rallentare e a osservare davvero cosa accade tra due persone che cercano di parlarsi senza riuscirci.
L'errore fondamentale che commettiamo è cercare la grandezza dove c'è solo umanità, dimenticando che l'umanità è, di per sé, la cosa più grande che possiamo raccontare. Non abbiamo bisogno di nuovi miti o di eroi senza macchia, abbiamo bisogno di specchi che ci restituiscano le nostre fragilità senza filtri di bellezza artificiale. Questa pellicola non è un capolavoro assoluto, e non pretende di esserlo, ma è un tassello fondamentale per capire dove stiamo andando come società e come individui. Ci ricorda che l'eredità più pesante non sono i debiti o le proprietà immobiliari, ma i silenzi che decidiamo di tramandare ai nostri figli, convinti che il tempo li cancellerà, mentre in realtà non fa altro che scavarli più a fondo nelle loro anime.
Il cinema che conta davvero non è quello che ci dà le risposte che vogliamo sentire, ma quello che ci costringe a porci le domande che abbiamo evitato per tutta la vita.
