Se pensate che il successo commerciale di Fifty Shades Of Grey 2 Film sia stato il risultato di una perfetta sintonia tra i desideri del pubblico e la visione dei produttori, vi state sbagliando di grosso. Molti osservatori superficiali liquidano l'intera operazione come un semplice fenomeno di costume, una macchina da soldi oliata che ha saputo intercettare le fantasie di milioni di persone. La realtà è molto più cinica e, per chi ama il cinema inteso come linguaggio visivo, decisamente più deprimente. Quello che abbiamo visto sullo schermo non è stato un atto di liberazione o di esplorazione erotica, ma il trionfo del controllo burocratico sulla narrazione. La tensione che si percepiva non era quella tra i due protagonisti, ma quella, molto più violenta e distruttiva, tra la visione autoriale e le rigide pretese commerciali di un marchio che non poteva permettersi di rischiare nulla. Mentre le sale si riempivano, il cinema come forma d'arte stava perdendo una battaglia silenziosa contro l'algoritmo del marketing.
La prigione dorata di Fifty Shades Of Grey 2 Film
Quando si analizza la genesi della pellicola, emerge un quadro di interferenze costanti che hanno reso impossibile qualsiasi evoluzione qualitativa rispetto al capitolo precedente. Dopo l'addio della regista Sam Taylor-Johnson, che aveva tentato di infondere un minimo di dignità estetica al primo capitolo, il sequel è caduto nelle mani di una gestione che ha privilegiato la fedeltà letterale a un testo originale già di per sé traballante. James Foley, un regista che in passato aveva dimostrato capacità notevoli, si è ritrovato a fare il passacarte per una produzione che temeva l'ombra di un'idea originale. Il problema non riguarda la natura del materiale, ma l'incapacità di tradurre quel materiale in qualcosa che somigliasse a un film vero. Abbiamo assistito a una sequenza di spot pubblicitari per uno stile di vita lussuoso, dove il conflitto umano veniva sacrificato sull'altare di una fotografia patinata e di una colonna sonora onnipresente che cercava disperatamente di riempire i vuoti di una sceneggiatura inconsistente.
Il paradosso è che, nonostante si parlasse di trasgressione, il risultato finale è stato quanto di più conservatore e rassicurante si potesse immaginare. Non c'è nulla di pericoloso in questo racconto. La deviazione dalla norma viene immediatamente riassorbita in una dinamica di coppia tradizionale, dove il denaro risolve ogni trauma e il potere maschile viene giustificato da un passato difficile. Questa non è narrazione, è rassicurazione sociale travestita da scandalo. Il pubblico non è stato sfidato, è stato cullato in un sogno di consumo dove anche l'intimità diventa un prodotto da esporre in vetrina, perfettamente illuminato e privo di qualsiasi vera asperità. Io credo che il vero danno non sia stato l'erotismo annacquato, ma la standardizzazione del desiderio, trasformato in una lista della spesa di beni di lusso e pose plastiche.
Il vuoto pneumatico dietro Fifty Shades Of Grey 2 Film
Molti critici sostengono che il film abbia fallito perché il materiale di partenza era povero, ma questa è una scusa troppo comoda. Grandi registi hanno tratto capolavori da romanzi mediocri o pulp. Il vero fallimento risiede nella scelta deliberata di non esplorare la psicologia dei personaggi per paura di alienare lo zoccolo duro dei fan. Si è scelto di seguire una strada sicura, ripetitiva, che ha trasformato il sequel in un lungo interludio privo di una vera struttura drammatica. Se guardiamo attentamente alla costruzione delle scene, notiamo una piattezza che nega ogni profondità spaziale. Gli attori sembrano muoversi in un limbo, costretti a recitare dialoghi che nessuno pronuncerebbe mai nella vita reale, cercando di dare un senso a un'ossessione che sullo schermo appare solo come una noiosa routine.
Il punto centrale della questione è che questo progetto ha dimostrato come l'industria possa vendere il vuoto assoluto purché sia confezionato con i colori giusti. La chimica tra gli interpreti, tanto discussa quanto assente, è stata sostituita da un montaggio serrato e da un uso ossessivo di primi piani che cercano di forzare un'emozione che non esiste. Non c'è un momento di vera vulnerabilità. Tutto è controllato, ogni ciocca di capelli è al suo posto anche nei momenti di presunta passione, rendendo l'esperienza visiva sterile come una sala operatoria. Chi difende l'opera parlando di una rappresentazione moderna delle relazioni ignora il fatto che qui non c'è relazione, c'è solo possesso mediato dal portafoglio. La pretesa di raccontare una storia di emancipazione o di scoperta di sé naufraga in un mare di cliché che appartengono più ai romanzi d'appendice dell'Ottocento che al cinema contemporaneo.
L'estetica del nulla e il mercato della nostalgia istantanea
Uno degli aspetti più inquietanti del successo di questa produzione è come sia riuscita a imporre un'estetica del nulla come standard per il genere. Le ambientazioni, asettiche e prive di personalità, riflettono l'anima di un film che non ha nulla da dire sul mondo se non che è bello essere ricchi e tormentati. Si è creato un precedente pericoloso in cui la qualità della scrittura viene considerata un optional superfluo rispetto alla forza del brand. Vediamo come questa tendenza stia infestando anche altri generi, dove il riconoscimento del marchio sostituisce la curiosità per la storia. Il pubblico viene trattato come un consumatore di dati, non come uno spettatore capace di analisi critica.
L'uso della luce, la scelta degli arredamenti, persino i costumi, tutto concorre a creare un ambiente che non esiste nella realtà e che non ha la forza del fantastico, ma solo la noia dell'irraggiungibile. Mi chiedo spesso cosa rimarrà di queste immagini tra dieci anni. Probabilmente nulla, perché non c'è un singolo fotogramma che trasmetta un'idea visiva originale. È un cinema che nasce già vecchio, che si nutre di una nostalgia istantanea per qualcosa che non ha mai avuto sostanza. La mancanza di coraggio nel mostrare il vero conflitto, quello che sporca e ferisce, rende l'intera vicenda una recita parrocchiale per adulti che hanno paura della propria ombra.
La resistenza dello spettatore consapevole
Nonostante le cifre da capogiro al botteghino, esiste una parte di pubblico che ha percepito l'inganno. Lo scetticismo non nasce da un pregiudizio moralistico verso l'erotismo, ma da un'esigenza di onestà intellettuale. Quando ci viene venduto un prodotto come rivoluzionario e ci ritroviamo tra le mani una copia carbone di stereotipi superati, la reazione naturale è il rifiuto. Molti sostengono che il cinema debba essere pura evasione e che non si debbano chiedere troppi conti a un film di intrattenimento. Ma l'evasione non deve per forza coincidere con l'insulto all'intelligenza. Possiamo evadere in mondi complessi, oscuri, affascinanti, non solo in camere d'albergo a cinque stelle dove la conversazione più profonda riguarda un contratto di riservatezza.
Il meccanismo di difesa della produzione è sempre stato quello di etichettare i critici come snob o incapaci di capire il target di riferimento. In realtà, proprio chi rispetta il pubblico dovrebbe essere furioso per come è stata gestita questa operazione. Trattare milioni di spettatori come una massa informe a cui somministrare dosi calcolate di finta trasgressione è l'opposto del fare arte. Il sistema ha funzionato perché ha sfruttato una curiosità voyeuristica che non ha nulla a che fare con la qualità cinematografica. Una volta spenti i riflettori, quello che resta è un deserto di idee dove si è preferito investire in pubblicità piuttosto che in una buona sceneggiatura. La complessità del desiderio umano merita molto di più di un pacchetto regalo confezionato in un ufficio marketing di Los Angeles.
Si dice spesso che il mercato ha sempre ragione, ma il mercato non ha gusti, ha solo tendenze che possono essere manipolate. Il successo di questo tipo di produzioni non riflette ciò che le persone vogliono veramente, ma ciò che viene loro detto di volere attraverso una pressione mediatica senza precedenti. Se bombardiamo lo spettatore con l'idea che un evento sia imperdibile, alla fine lo spettatore andrà a vederlo, anche solo per poter dire di esserci stato. Ma questa non è una vittoria del cinema, è una vittoria della logistica. Il vero cinema è quello che ti lascia con un dubbio, con una sensazione di disagio o con una nuova prospettiva sul mondo. Qui non c'è nulla di tutto questo. C'è solo il ronzio costante di una macchina che produce profitti ignorando la bellezza.
Forse è giunto il momento di smettere di scusare la mediocrità in nome del successo commerciale e iniziare a pretendere che anche l'intrattenimento più leggero abbia un'anima. Non è una questione di essere sofisticati, è una questione di non accettare di essere nutriti con immagini di plastica. La storia di questo progetto ci insegna che quando il brand diventa più importante del film, il cinema muore un po' alla volta, lasciandoci soli in una stanza bellissima, lussuosa e completamente vuota.
L'illusione che l'ossessione materiale possa sostituire l'intensità emotiva è la bugia più grande che Hollywood ci abbia mai raccontato.
