Se pensi che il cinema debba darti risposte pronte all'uso, probabilmente questo film non fa per te. Ma se cerchi un'esperienza che ti resti addosso come l'umidità di una notte estiva a Tokyo, allora sei nel posto giusto. Guardare Like Someone In Love Movie significa accettare un patto col regista: lui non ti spiegherà nulla, tu dovrai sentire tutto. È un'opera che sfida le convenzioni narrative classiche, portandoci nel cuore di relazioni ambigue, dove l'identità si sgretola sotto il peso delle bugie necessarie.
Akira Kurosawa diceva che il cinema è un'arma, ma Abbas Kiarostami, il genio iraniano dietro questo progetto, la usa per fare il solletico all'anima, a volte in modo doloroso. Ambientato in Giappone, lontano dalle radici persiane del regista, questo lavoro rappresenta uno dei punti più alti della sua sperimentazione internazionale. Non è un caso che sia stato presentato al Festival di Cannes, lasciando critica e pubblico a dividersi tra applausi scroscianti e silenzi pensosi. Chi scrive ha passato ore a discutere del finale in un bar di Trastevere, rendendosi conto che ogni spettatore aveva visto un film diverso. Questa è la forza del grande schermo.
La trama sospesa di Like Someone In Love Movie
Il racconto ruota attorno a Akiko, una studentessa che si prostituisce per pagarsi gli studi, e Takashi, un anziano professore che sembra cercare più una presenza che un corpo. C’è poi Noriaki, il fidanzato geloso e instabile di lei. La storia non segue un binario dritto. Si muove per deviazioni. Il professore accoglie la ragazza in casa, le prepara la cena, ascolta la sua stanchezza. Non c'è nulla di pruriginoso, eppure la tensione è costante. Kiarostami gioca con i riflessi sui finestrini delle auto e con i vetri delle case, rendendo tutto trasparente e opaco allo stesso tempo.
Un gioco di specchi e identità
La cosa che colpisce di più è come i personaggi cambino ruolo senza accorgersene. Akiko finge di essere una nipote devota, Takashi accetta di recitare la parte del nonno davanti al fidanzato di lei. Sono tutti attori in una recita privata. Noi spettatori diventiamo complici di queste bugie. È un meccanismo che riflette la nostra società, dove spesso mostriamo solo la versione di noi stessi che gli altri si aspettano di vedere. Non c'è un momento in cui i protagonisti si siedono e dicono la verità. La verità è nei gesti piccoli. Una zuppa riscaldata. Un quadro appeso alla parete.
Il ritmo lento che cattura
Dimentica i montaggi serrati dei blockbuster. Qui la macchina da presa resta ferma. Ti costringe a guardare. Ti obbliga a notare il silenzio tra una parola e l'altra. Molti spettatori italiani, abituati a ritmi più frenetici, potrebbero trovarlo ostico all'inizio. Ma se superi i primi quindici minuti, entri in un altro tempo. È il tempo della vita vera, quella che accade mentre aspetti un taxi o mentre guardi fuori dalla finestra. Il cinema di Kiarostami è sempre stato un esercizio di pazienza che ripaga con una comprensione più profonda dell'umano.
Lo stile visivo e la scelta di Tokyo
Perché girare in Giappone? Kiarostami voleva uscire dalla sua zona di comfort. Voleva vedere se il suo occhio poteva leggere una cultura così diversa dalla sua. Il risultato è incredibile. Tokyo appare bellissima ma alienante. Le luci al neon non scaldano, illuminano solo il vuoto tra le persone. Il contrasto tra l'architettura moderna e la fragilità degli esseri umani è un tema ricorrente. Vedere le strade della metropoli attraverso i vetri dell'auto di Akiko crea un senso di protezione e, contemporaneamente, di prigionia.
La fotografia come linguaggio
La fotografia non è solo estetica. Serve a raccontare ciò che i dialoghi omettono. L'uso dei colori è studiato nei minimi dettagli. I toni caldi dell'appartamento del professore contrastano con il freddo delle strade notturne. Questo crea un senso di rifugio temporaneo, una bolla che sappiamo essere destinata a scoppiare. Ogni inquadratura potrebbe essere un quadro a sé stante. Non c'è nulla di casuale. Il regista cura ogni riflesso, ogni ombra, per guidare la nostra emozione senza che ce ne accorgiamo.
L'importanza del suono nel cinema d'autore
Spesso sottovalutiamo l'audio. In questa pellicola, il design sonoro è fondamentale. I rumori della città, il ronzio degli elettrodomestici, il tono della voce degli attori. Tutto contribuisce a creare un'atmosfera sospesa. Non serve una colonna sonora invadente per emozionare. Basta il rumore di una portiera che si chiude per farci sobbalzare. È un minimalismo che richiede un impianto audio decente o un buon paio di cuffie per essere apprezzato appieno.
Il finale che ha diviso il mondo
Parliamo del finale. Senza fare troppi spoiler per chi non l'ha visto, diciamo solo che è brusco. Arriva come uno schiaffo improvviso. Molti hanno odiato questa scelta, considerandola un'interruzione piuttosto che una conclusione. Personalmente, credo sia geniale. La vita non finisce con i titoli di coda. La vita si interrompe, cambia direzione, ci lascia in sospeso. Kiarostami non vuole chiudere il cerchio, vuole che lo chiuda tu nella tua testa.
Le interpretazioni della critica italiana
In Italia, la ricezione è stata calorosa tra gli addetti ai lavori. Riviste come Sentieri Selvaggi hanno evidenziato come il film sia una lezione di regia pura. Viene spesso paragonato ai lavori di Ozu per la sua capacità di catturare l'essenza della quotidianità giapponese. Ma c'è di più. C'è un'inquietudine sottile che è tipicamente kiarostamiana. È la sensazione che qualcosa di terribile possa accadere da un momento all'altro, anche se siamo in un salotto tranquillo.
Perché rivederlo una seconda volta
Questo è il classico film che cambia quando lo rivedi. La prima volta sei concentrato sulla trama, cerchi di capire chi sono i personaggi e cosa vogliono. La seconda volta, sapendo come va a finire, ti godi i dettagli. Noti gli sguardi persi di Akiko. Noti la solitudine dignitosa di Takashi. Capisci che Like Someone In Love Movie non è un giallo, anche se c'è un mistero al centro. È uno studio psicologico travestito da dramma urbano.
Il cast e la direzione degli attori
Tadashi Okuno, che interpreta il professore, non era un attore professionista di grande fama. Questa scelta ha permesso di avere una naturalezza incredibile. Rin Takanashi, nel ruolo di Akiko, riesce a trasmettere una fragilità estrema senza mai cadere nel patetico. La chimica tra loro è strana, asimmetrica, perfetta per il tono della storia. Kiarostami era famoso per il suo metodo: non dava mai lo script completo agli attori. Voleva reazioni genuine. Voleva che scoprissero la storia insieme ai loro personaggi.
La sfida della recitazione sottovoce
In un mondo di urla e grandi gesti, qui si recita sottovoce. Gli attori lavorano molto con gli occhi e con la postura. È una recitazione sottrattiva. Meno fanno, più dicono. Questo richiede una disciplina enorme. Se un attore sbaglia il tempo di un sospiro, l'intera scena crolla. Invece, tutto scorre con una precisione chirurgica. È una danza immobile che tiene incollati allo schermo.
L'influenza su registi contemporanei
Molti registi giovani oggi guardano a queste opere per imparare a gestire lo spazio. L'uso dell'auto come set cinematografico, tipico di Kiarostami fin dai tempi di Il sapore della ciliegia, qui raggiunge una raffinatezza nuova. Si vede l'influenza di questo stile in molti film indipendenti europei che cercano di raccontare la solitudine delle grandi città senza ricorrere ai soliti cliché.
I temi universali dietro la facciata giapponese
Sebbene ambientato a Tokyo, i temi sono universali. La solitudine, il bisogno di essere visti, la paura della vecchiaia, l'instabilità della giovinezza. Sono sentimenti che proviamo a Roma, Parigi o New York. La scelta del Giappone serve quasi a "pulire" lo sguardo da pregiudizi culturali immediati, permettendoci di concentrarci solo sugli esseri umani.
La solitudine nell'era della connessione
È paradossale come in una città così affollata i protagonisti siano così soli. Takashi vive circondato da libri, Akiko è circondata da clienti e pretese, ma nessuno dei due ha qualcuno con cui parlare davvero. Questa pellicola mette a nudo l'incapacità di comunicare. Parliamo tanto, ma non diciamo nulla. Usiamo le parole per nasconderci, non per rivelarci. È una critica sottile ma feroce al nostro modo di vivere le relazioni.
Il ruolo della menzogna vitale
Tutti i personaggi mentono. Ma non lo fanno per cattiveria. Mentono per sopravvivere. Akiko mente alla nonna per non darle un dispiacere. Takashi mente per proteggere Akiko. Noriaki mente a se stesso perché non può accettare la realtà. La menzogna diventa una forma di cura, un modo per rendere la vita sopportabile. Questo ribalta il concetto morale di verità a tutti i costi. A volte, una bugia gentile è più umana di una verità crudele.
Consigli pratici per la visione
Se hai deciso di dedicare del tempo a questo film, fallo nel modo giusto. Non guardarlo sul telefono mentre sei in treno. Merita attenzione. Ecco come approcciarsi per goderselo davvero.
- Scegli una serata tranquilla. Spegni le notifiche dello smartphone. Questo film richiede che tu entri nel suo ritmo, non il contrario. Se sei stanco o distratto, perderai le sfumature che lo rendono speciale.
- Guarda la versione originale con i sottotitoli. Il giapponese ha una musicalità e delle pause che sono parte integrante dell'opera. Il doppiaggio, per quanto fatto bene, rischia di appiattire le performance degli attori e di alterare i tempi del dialogo.
- Non cercare di risolvere il "puzzle" subito. Lascia che le immagini scorrano. Se qualcosa non ti è chiaro, non tornare indietro immediatamente. Spesso il senso emerge più avanti, o forse non emergerà affatto, e va bene così.
- Dopo la visione, prenditi dieci minuti di silenzio. Non correre a leggere recensioni o spiegazioni su internet. Ascolta cosa ti ha lasciato dentro. Quale immagine ti è rimasta impressa? Quale suono ti risuona ancora nelle orecchie?
- Se ti è piaciuto, esplora il resto della filmografia di Kiarostami. Titoli come Copia originale o Sotto gli ulivi ti aiuteranno a capire meglio il suo linguaggio e la sua evoluzione come artista.
Non è un cinema per tutti, ma è un cinema necessario. Ci ricorda che siamo creature complesse, piene di zone d'ombra e di desideri inespressi. Ci insegna a guardare oltre la superficie, a non giudicare i personaggi per le loro scelte superficiali ma a cercare di capire le motivazioni profonde che li spingono ad agire. In un'epoca di contenuti usa e getta, un'opera del genere è un piccolo miracolo di resistenza artistica.
Il cinema d'autore non deve essere per forza noioso o incomprensibile. Può essere emozionante come un thriller, ma invece di inseguire assassini, insegue la verità dei sentimenti. Questa è la grande lezione che ci portiamo a casa. Goditi il viaggio a Tokyo, lasciati cullare dal movimento dell'auto e preparati a mettere in discussione quello che pensavi di sapere sull'amore e sulla solitudine. Buona visione.
