made in italy film 2018

C’è un’idea radicata nella mente di chi frequenta le sale cinematografiche italiane secondo cui la nostalgia sia un rifugio sicuro, una coperta di Linus tessuta con i fili del passato per proteggerci da un presente incerto. Si tende a guardare a certe operazioni autoriali come a semplici album fotografici, dimenticando che dietro la macchina da presa c’è spesso il desiderio di sezionare un’identità collettiva piuttosto che limitarsi a glorificarla. Quando è uscito Made In Italy Film 2018, la critica si è divisa quasi istantaneamente, polarizzata tra chi cercava il tributo musicale e chi pretendeva il saggio sociologico, ma entrambi gli schieramenti hanno mancato il bersaglio grosso. Non si trattava di un’operazione simpatia orchestrata da una rockstar prestata al cinema, quanto di un tentativo, a tratti brutale, di raccontare la paralisi di una provincia che non riesce più a produrre sogni, ma solo a consumare quelli vecchi. Se pensate che quella pellicola sia stata solo un lungo videoclip dedicato alle radici emiliane, vi state perdendo il sottotesto più acido e interessante di un’opera che parla di fallimento molto più di quanto parli di successo.

L'errore di valutazione nasce dal presupposto che Luciano Ligabue volesse parlarci di sé, mentre in realtà stava puntando l'obiettivo su un modello di vita che stava già scricchiolando pericolosamente. Il protagonista Riko non è un alter ego del regista, ma la sua negazione, il riflesso di ciò che resta quando il motore della crescita economica si spegne e lascia dietro di sé solo capannoni vuoti e cene tra amici che sanno di rito funebre. Ho osservato per anni come il pubblico italiano tenda a perdonare tutto ai propri idoli, trasformando anche le critiche più feroci in atti d'amore, ma in questo caso il fraintendimento ha oscurato la natura politica del racconto. La provincia descritta non è un idillio bucolico, è un labirinto di asfalto e nebbia dove il concetto di eccellenza nazionale viene usato come uno scudo per non ammettere che il sistema è rotto.

La sottile linea rossa di Made In Italy Film 2018

Per capire davvero cosa sia successo in quella stagione cinematografica, bisogna smettere di guardare ai numeri del botteghino e iniziare a guardare alle crepe nel muro. Il terzo lungometraggio del rocker di Correggio non è arrivato per caso, ma come culmine di un percorso decennale iniziato con Radiofreccia. Eppure, mentre il debutto era un grido di libertà, questa opera successiva è un sospiro di rassegnazione consapevole. Molti hanno criticato la scelta di Stefano Accorsi, giudicandolo troppo "bello" o troppo distante dalla realtà operaia, ma questo scetticismo ignora la funzione simbolica dell'attore. Accorsi non interpreta un operaio, interpreta l'illusione dell'operaio medio italiano di poter ancora essere il centro del mondo. La sua bellezza stropicciata è il simbolo di un Paese che si guarda allo specchio e vede ancora i fasti degli anni Sessanta, mentre fuori la globalizzazione sta divorando i margini di profitto e le certezze contrattuali.

Il cinema di casa nostra spesso soffre di un provincialismo che scambiamo per autenticità. In questa specifica produzione, invece, il provincialismo è il nemico da combattere. Riko attraversa le piazze e i bar non come un reame da governare, ma come una prigione a cielo aperto. La tesi che difendo è che questa pellicola rappresenti il punto di rottura definitivo con la poetica del "piccolo è bello". Non c’è nulla di bello nella precarietà dei cinquantenni che si ritrovano a dover reinventare la propria esistenza quando il mondo ha smesso di aver bisogno delle loro mani. Chi ha liquidato l'opera come superficiale non ha colto il dolore sordo che permea le scene domestiche, dove il silenzio pesa più dei dialoghi. La forza del racconto risiede proprio nella sua capacità di mostrare come l'orgoglio per le proprie origini possa trasformarsi in una zavorra che impedisce di volare via prima che la nave affondi.

L'estetica del quotidiano come atto di resistenza

C'è un meccanismo tecnico dietro questa narrazione che merita di essere sviscerato. La fotografia non cerca il patinato a tutti i costi, preferisce toni che richiamano la terra e il ferro, elementi che definiscono l'orizzonte emiliano. Questa scelta non è puramente estetica, serve a ancorare il fruitore a una realtà materiale che il cinema contemporaneo tende spesso a ignorare a favore di astrazioni urbane o mondi digitali. Io credo che la scommessa vinta sia stata quella di dare dignità visiva a luoghi che solitamente consideriamo solo zone di transito. Vedere la via Emilia non come una strada, ma come un'arteria vitale che pulsa a fatica, cambia la percezione dell'intero lavoro.

Gli esperti del settore spesso lamentano la mancanza di una "classe media" nel cinema italiano, diviso tra le commedie volgari e i drammi esistenziali d’élite. Questo lavoro si inserisce esattamente in quel vuoto, cercando di parlare a chi la mattina si alza per andare in fabbrica o in ufficio e sente che il terreno sotto i piedi non è più solido. L'accoglienza tiepida di una parte della critica intellettuale è la prova del nove: hanno snobbato l'opera perché parlava una lingua troppo diretta, priva di quegli artifici stilistici che piacciono tanto ai festival internazionali ma che non dicono nulla alla gente comune.

Il peso dell'eredità culturale e il mercato globale

Uno degli argomenti più forti portati dai detrattori riguarda l'apparente ingenuità della trama, accusata di essere troppo lineare o prevedibile. Mi sento di smontare questa visione ricordando che la semplicità non è sinonimo di mancanza di profondità. Al contrario, in un’epoca di narrazioni iper-complesse e frammentate, scegliere la linearità è un atto di coraggio quasi rivoluzionario. Il cinema dovrebbe tornare a raccontare storie che hanno un inizio, uno sviluppo e una fine, specialmente quando l'obiettivo è quello di fotografare un momento storico preciso. La linearità di Made In Italy Film 2018 riflette la monotonia della vita del protagonista, una ripetizione di gesti che dovrebbe portare alla sicurezza e invece porta al dubbio.

Dobbiamo anche considerare il contesto produttivo. Proporre un film del genere nel 2018 significava sfidare un mercato dominato dai supereroi e dai cinepanettoni in declino. Significa rivendicare uno spazio per il racconto popolare di qualità, quello che un tempo era il pane quotidiano di registi come Monicelli o Germi. Certo, non siamo ai livelli dei maestri del neorealismo, sarebbe sciocco affermarlo, ma l'intenzione è la stessa: guardare in faccia la realtà senza filtri rassicuranti. Se guardiamo ai dati dell'Associazione Nazionale Industrie Cinematografiche Audiovisive e Digitali, notiamo come le produzioni che tentano di raccontare l'identità sociale faticano sempre di più a trovare spazio rispetto ai prodotti standardizzati per le piattaforme streaming. Questo progetto ha cercato di invertire la rotta, riportando l'attenzione sulle persone comuni invece che sui personaggi straordinari.

Il problema è che abbiamo smesso di considerarci persone comuni. Vogliamo tutti essere protagonisti di un’epopea, e quando un film ci ricorda che siamo solo ingranaggi di una macchina più grande, reagiamo con fastidio. Ma è proprio in quel fastidio che risiede la verità dell’opera. La crisi di Riko è la crisi di una generazione che ha fatto tutto quello che le era stato chiesto — studiare, lavorare, mettere su famiglia — e si ritrova comunque con un pugno di mosche in mano. Il fatto che questo messaggio arrivi attraverso la lente di un artista di successo rende il tutto ancora più amaro e onesto. Non è un pulpito da cui si predica, è uno specchio in cui ci si riflette.

Il sistema economico che sta dietro al marchio che dà il titolo all'opera è lo stesso che sta stritolando i suoi protagonisti. C’è un’ironia tragica nel vedere come il concetto di eccellenza artigianale venga sbandierato nelle pubblicità mentre, nella realtà dei fatti, i lavoratori che creano quell'eccellenza sono i primi a essere sacrificati sull'altare del bilancio. Il film non lo dice esplicitamente con i dati, ma lo mostra attraverso i volti stanchi dei colleghi di Riko, attraverso le mense silenziose e i parcheggi semivuoti. È un’analisi del declino industriale travestita da commedia drammatica, e forse è per questo che ha disturbato così tanto chi voleva solo passare due ore di svago.

La vera competenza nel giudicare un'operazione del genere non sta nell'elencare i tecnicismi della regia, ma nel capire quanto essa sia riuscita a intercettare il sentimento di un'epoca. Io ho parlato con decine di persone che, dopo la visione, si sono sentite meno sole nella loro frustrazione. Questo è il compito sociale dell'arte, quello che giustifica l'investimento di tempo e risorse. Non si tratta di promuovere un'immagine patinata dell'Italia, ma di mostrare le rughe sotto il trucco pesante. La provincia emiliana, con le sue nebbie e le sue luci al neon, diventa la metafora di un intero continente che non sa bene dove sta andando, ma sa perfettamente cosa sta lasciando dietro di sé.

Gli scettici diranno che la musica ha preso il sopravvento sulla narrazione, che le canzoni dell'album omonimo hanno guidato la mano del regista in modo troppo invadente. Ma pensateci un attimo: per un personaggio come Riko, la musica non è un accessorio, è l'unico modo per dare voce a pensieri che altrimenti resterebbero incastrati in gola. In un Paese dove il vocabolario emotivo si sta restringendo sempre di più, la colonna sonora diventa il tessuto connettivo dei sentimenti. Non è un limite, è una risorsa linguistica che permette di arrivare dove le parole falliscono.

Per finire, dobbiamo smettere di chiedere al cinema di essere sempre "di più" — più spettacolare, più intelligente, più provocatorio. A volte abbiamo solo bisogno che sia "vero". Questa pellicola è stata accusata di essere banale, ma la banalità è la sostanza delle nostre vite per il novanta per cento del tempo. Riconoscere la dignità di quella banalità, darle una forma cinematografica e portarla nelle sale è un atto di onestà intellettuale che merita rispetto. Non è un monumento alla gloria nazionale, è una domanda aperta sul nostro futuro come comunità. Se non siamo capaci di rispondere a quella domanda, non è colpa del regista, ma nostra che abbiamo preferito girare lo sguardo altrove, illudendoci che il passato fosse un posto dove poter vivere per sempre.

Il valore di un'opera si misura dalla sua capacità di restare scomoda anche anni dopo la sua uscita, e questa storia continua a pizzicare la coscienza di chi pensa che basti un marchio di fabbrica per salvare un'anima. La verità è che non c'è etichetta di provenienza che possa garantire la felicità se non siamo disposti a ricostruire il senso di ciò che facciamo ogni giorno. Made In Italy Film 2018 non ci ha regalato una risposta, ci ha semplicemente ricordato che il sogno italiano è finito e che ora, finalmente svegli, dobbiamo decidere cosa fare delle macerie.