Dimentica per un attimo le favole Disney con le principesse perfette e i lieti fine zuccherosi. Quando è uscito Movie The Shape Of Water, il pubblico si è trovato davanti a qualcosa di viscerale, sporco e incredibilmente poetico. Guillermo del Toro non ha cercato di compiacere i puristi della fantascienza classica. Ha fatto di meglio. Ha preso un mostro, lo ha reso un oggetto di desiderio e ha sbattuto in faccia agli spettatori una verità scomoda: spesso i veri mostri portano la cravatta e lavorano per il governo. Non è un segreto che questa pellicola abbia diviso chi cercava una trama lineare e chi, come me, si è lasciato trasportare da un'estetica che puzza di acqua salmastra e uova sode.
L'estetica sporca di Movie The Shape Of Water
Il design di questa produzione non è solo bello da vedere. È funzionale al racconto. La maggior parte dei film ambientati durante la Guerra Fredda sceglie una palette cromatica fatta di grigi d'acciaio o blu glaciali per sottolineare la tensione nucleare. Del Toro ha scelto il verde. Un verde marcio, acquatico, che invade ogni stanza, dalla cucina di Elisa ai laboratori sotterranei dell'Occam Aerospace Research Center. È un colore che comunica isolamento. Se guardi bene i dettagli delle scenografie, noterai che non c'è nulla di nuovo. Tutto è scheggiato, usurato, vissuto. Questa scelta serve a radicare una storia fantastica in una realtà materiale che percepiamo come autentica.
La creazione della creatura
Il protagonista non umano è un capolavoro di artigianato. Non stiamo parlando di un ammasso di pixel creato in fretta da una fattoria di rendering. Si tratta di un attore, il leggendario Doug Jones, dentro una tuta di lattice e schiuma che richiedeva ore per essere indossata. Questo approccio fisico cambia il modo in cui la luce colpisce la pelle del mostro. Le scaglie riflettono l'ambiente in modo naturale perché sono lì, sul set. Molti registi oggi si affidano troppo alla post-produzione, ma la fisicità di questo anfibio è ciò che permette al legame con la protagonista di sembrare reale. La chimica tra un essere umano e un pupazzo di gomma non dovrebbe funzionare, eppure qui è elettrica.
Il ruolo del silenzio
Elisa è muta, ma non è silenziosa. La sua comunicazione avviene attraverso lo sguardo, le mani e i piccoli rituali quotidiani. La decisione di avere una protagonista che non parla è una mossa audace. Toglie l'esposizione verbale noiosa e costringe noi spettatori a prestare attenzione ai micro-movimenti. È un ritorno al cinema muto degli anni '20, dove l'emozione passava per la mimica facciale. Quando lei balla nel suo appartamento sopra il cinema, capiamo tutto della sua solitudine senza che venga pronunciata una singola parola.
Perché la critica ha amato Movie The Shape Of Water
Il successo agli Oscar non è arrivato per caso. La vittoria come Miglior Film nel 2018 ha segnato un momento storico per il genere fantasy, spesso snobbato dai grandi premi accademici. Il motivo principale risiede nella capacità del racconto di parlare del presente usando il passato. Il 1962 descritto nel film è lo specchio di molte tensioni sociali che viviamo ancora. C'è il razzismo sistemico, l'omofobia che costringe il personaggio di Giles ai margini e il maschilismo tossico incarnato dal colonnello Strickland.
Il film non ha paura di essere politico. Michael Shannon interpreta un cattivo che crede fermamente nel sogno americano, ma quel sogno è costruito sulla sofferenza di chi è considerato "diverso". La creatura non è un pericolo per l'umanità; è un pericolo per lo status quo. È un dio catturato e umiliato da uomini piccoli che hanno paura di ciò che non possono controllare o vendere. Questa profondità tematica ha permesso alla pellicola di scalare le classifiche di gradimento, posizionandosi come un'opera che va ben oltre il semplice intrattenimento visivo. Puoi consultare i dettagli sulle premiazioni sul sito ufficiale dell'Academy Awards per capire quanto sia stato dirompente quel risultato.
L'influenza del cinema classico
Del Toro è un cinefilo ossessivo e si vede. Ogni inquadratura è una lettera d'amore al cinema di genere. Il riferimento più ovvio è Il mostro della laguna nera del 1954. Mentre in quel classico la creatura era l'antagonista da abbattere per salvare la ragazza, qui la prospettiva è ribaltata. È un atto di revisionismo storico. Il regista ha dichiarato più volte che voleva vedere il mostro e la donna finire insieme. Questa sensibilità europea, quasi fiabesca alla Jean-Pierre Jeunet, si mescola con la brutalità dei thriller americani. Il risultato è un ibrido strano che non ha eguali nella produzione mainstream recente.
Analisi dei personaggi secondari e della loro solitudine
Non commettere l'errore di pensare che questa sia solo la storia di Elisa e della creatura. Il cuore pulsante del racconto sta nei personaggi di contorno. Ognuno di loro vive in una bolla di isolamento. Zelda, interpretata da una magistrale Octavia Spencer, affronta la fatica di essere una donna nera in un'America che la vede solo come forza lavoro invisibile. Giles rappresenta la tragedia dell'artista che invecchia in un mondo che non ha più spazio per il suo stile o per la sua identità sessuale.
Persino l'antagonista, Strickland, è prigioniero. È schiacciato dalle aspettative dei suoi superiori e dal bisogno ossessivo di possedere oggetti che dimostrino il suo successo, come la Cadillac color verde acqua che compra e che puntualmente viene danneggiata. Questa simmetria tra i personaggi rende la narrazione compatta. Tutti cercano una connessione, ma solo chi è disposto a rinunciare alle maschere della società riesce a trovarla. È un tema che ricorre spesso nelle analisi di siti specializzati come Sentieri Selvaggi, che analizzano il cinema come specchio della condizione umana.
La colonna sonora come elemento narrativo
Alexandre Desplat ha vinto l'Oscar per la musica di questo film e se lo è meritato ogni centesimo. L'uso della fisarmonica e dei fischietti crea un'atmosfera che oscilla tra il parigino e l'onirico. La musica riempie il vuoto lasciato dalle parole di Elisa. Non è un semplice sottofondo; è la voce della protagonista. Quando il tema principale cresce, senti l'acqua che sale, senti il battito del cuore della foresta amazzonica da cui proviene l'essere. È una composizione leggera, quasi aerea, che bilancia la pesantezza visiva degli ambienti industriali.
Errori comuni nella comprensione della trama
Molti spettatori distratti liquidano la storia come "la donna che si innamora del pesce". È una semplificazione pigra. Se guardi bene, il legame non è basato sulla biologia, ma sul riconoscimento. La creatura guarda Elisa e non vede una donna incompleta o muta. La vede per quello che è. Lei dice chiaramente: "Lui non sa che mi mancano delle cose". È una frase potente che distrugge il concetto di normalità.
Un altro errore è considerare Strickland un cattivo bidimensionale. Certo, fa cose orribili, ma è anche un uomo terrorizzato dal fallimento. Rappresenta la rigidità delle istituzioni che preferiscono distruggere la bellezza piuttosto che ammettere di non poterla dominare. Comprendere queste sfumature trasforma un'esperienza di visione superficiale in una riflessione profonda sulla natura del potere. Chi lavora nel settore dell'analisi cinematografica, come gli esperti di MUBI, sottolinea spesso come la forza di Del Toro risieda proprio in questa umanizzazione del grottesco.
Il simbolismo dell'acqua
L'acqua è ovunque. È nel titolo, è nelle scene di sesso, è nel bagno che trabocca, è nella pioggia finale. L'acqua non ha forma, si adatta al contenitore, proprio come l'amore. È l'elemento che permette la trasformazione. Nel finale, l'acqua diventa il mezzo attraverso cui Elisa trova la sua vera natura. Quello che all'inizio sembrano cicatrici sul suo collo si rivelano essere branchie latenti. È un colpo di scena che suggerisce che lei non fosse mai stata del tutto umana, o forse che l'amore abbia il potere di cambiare la nostra stessa biologia.
Come analizzare il film oggi con occhio critico
Se decidi di rivedere questa opera o di approcciarti ad essa per la prima volta, ti consiglio di seguire un percorso specifico per non perdere i dettagli che contano. Non limitarti a seguire la trama principale. Osserva i margini del fotogramma.
- Guarda gli sfondi: Presta attenzione ai poster dei cinema, ai programmi televisivi che Giles guarda e ai marchi dei prodotti nella cucina. Tutto è posizionato per raccontare il declino di un'epoca.
- Ascolta i respiri: Il sound design è curatissimo. Il respiro della creatura cambia a seconda del suo stato di salute e del suo umore. È un linguaggio a sé stante.
- Analizza le mani: Il film è un'ode al tatto. Le mani che firmano, le mani che toccano il vetro, le mani che curano le ferite. In un mondo di parole vuote, il contatto fisico è l'unica verità.
- Confronta i colori: Nota come il rosso appaia raramente. Quando succede — come nelle scarpe di Elisa o nel sangue — ha un impatto violento. Il rosso è la vita e il pericolo che irrompono nel mondo verde e spento della routine.
L'importanza del contesto storico
Siamo nel 1962, l'anno della crisi dei missili di Cuba. Il mondo era letteralmente sull'orlo dell'annientamento totale. Inserire una favola romantica in questo contesto non è solo una scelta stilistica. È una dichiarazione d'intenti. Del Toro suggerisce che, mentre i potenti giocano a chi ha la bomba più grande, la vera rivoluzione avviene negli scantinati, tra persone che decidono di aiutarsi a vicenda contro ogni logica di profitto o di bandiera. Il personaggio del dottor Hoffstetler, la spia russa che sceglie la scienza e l'empatia rispetto agli ordini del KGB, è fondamentale per questo messaggio. Lui è l'uomo di scienza che riconosce il divino nel mostro, contrapponendosi a Strickland che vede solo una risorsa bellica da smembrare.
Impatto culturale e lascito nel cinema moderno
Da quando è stato distribuito, abbiamo assistito a un ritorno d'interesse per il "monster movie" con una coscienza sociale. Non è un caso che registi emergenti stiano cercando di replicare quel mix di realismo magico e critica politica. Tuttavia, è difficile imitare la mano di un autore che vive e respira queste storie fin da bambino. La capacità di rendere attraente l'anomalia è un dono raro.
Il film ha anche aperto una discussione importante sulla rappresentazione della disabilità e della diversità sessuale senza cadere nel pietismo. Elisa non è una vittima da salvare. È lei che organizza l'evasione, è lei che prende l'iniziativa erotica, è lei che decide il suo destino. È un personaggio femminile incredibilmente forte proprio perché le sue fragilità sono la sua forza. Se vuoi approfondire l'impatto sociale delle opere cinematografiche, il sito della Biennale di Venezia offre spesso spunti interessanti, dato che il film ha vinto proprio lì il Leone d'Oro.
Passi pratici per un'esperienza di visione superiore
Se vuoi davvero goderti questa opera al massimo delle sue potenzialità tecniche e narrative, non accontentarti di uno streaming di bassa qualità sul telefono. Questo è cinema allo stato puro.
- Scegli il supporto fisico: Se puoi, recupera il Blu-ray 4K. La profondità dei neri e la gamma cromatica dei verdi sono essenziali per l'immersione. Lo streaming spesso comprime i dettagli nelle scene buie, che qui sono la maggioranza.
- Usa un buon impianto audio o cuffie: Come ho detto, il lavoro di Desplat e il sound design della creatura sono metà dell'esperienza. Devi sentire il gorgoglio dell'acqua e il fruscio dei vestiti.
- Guarda i contenuti speciali: Ascoltare Del Toro che spiega come ha scelto la densità del lattice per la tuta o come ha lavorato sulle luci per far sembrare il set un acquario è una lezione di cinema gratuita.
- Leggi le interviste originali: Cerca le dichiarazioni dell'epoca per capire le difficoltà produttive. Sapere che il regista ha finanziato personalmente parte del design ti fa capire quanto cuore ci sia nel progetto.
Non è solo un film sui mostri. È un promemoria del fatto che l'unica cosa che ci rende davvero umani è la nostra capacità di provare empatia per chi non ci somiglia affatto. In un'epoca di muri e divisioni, la storia di Elisa e del suo dio fluviale è più necessaria che mai. Onestamente, è difficile trovare un'altra opera recente che riesca a essere così tecnicamente perfetta e contemporaneamente così emotivamente devastante. Se non l'hai ancora fatto, spegni la luce, metti via il telefono e lasciati sommergere. Alla fine dei conti, siamo tutti creature in cerca di qualcuno che ci guardi senza paura.
