saint seiya souls of gold

Se pensi che l'animazione moderna sia nata per espandere gli orizzonti narrativi dei tuoi eroi d'infanzia, allora non hai guardato con abbastanza attenzione dietro le quinte dell'industria giapponese. La percezione comune vuole che un'opera come Saint Seiya Souls Of Gold sia stata concepita come un atto d'amore verso i fan, un modo per dare finalmente lustro ai dodici Cavalieri d'Oro dopo decenni passati all'ombra dei protagonisti storici. La verità è molto più arida e, per certi versi, spietata. Non siamo di fronte a un'estensione poetica del mito creato da Masami Kurumada, ma a un'operazione di ingegneria commerciale travestita da epica nordica. Questa serie non è nata negli studi creativi della Toei Animation per necessità artistica, bensì nei reparti marketing della Bandai con un unico obiettivo preciso: svuotare i magazzini e riempire le bacheche dei collezionisti con nuove versioni di modellini che avevamo già comprato vent'anni prima. È un gioco di specchi dove la nostalgia funge da esca e la qualità tecnica diventa l'agnello sacrificale sull'altare del fatturato trimestrale.

Il problema non è che l'opera sia commerciale; quasi tutta l'animazione seriale lo è. Il punto è la spudoratezza con cui la narrazione viene piegata alle esigenze del merchandising. In questo specifico capitolo del franchise, ambientato ad Asgard parallelamente alla battaglia contro Ade, assistiamo a un fenomeno curioso: ogni cavaliere riceve un'armatura divina senza aver compiuto il percorso di crescita spirituale e materiale che il canone originale imponeva. È un'inflazione del sacro. Se nell'opera originale di Kurumada l'armatura divina era il traguardo estremo, bagnata dal sangue di una dea e ottenuta attraverso un sacrificio che sfiorava la morte, qui viene distribuita con la generosità di un volantino pubblicitario. Perché? Perché una nuova linea di action figure richiede un design nuovo, più complesso, più costoso. Se togli il peso del sacrificio, distruggi il valore del simbolo. Eppure, molti appassionati hanno difeso il progetto, convinti che vedere i propri idoli di nuovo in azione giustificasse una scrittura pigra e un'animazione che, in molti episodi, definire mediocre è un complimento generoso.

L'estetica del consumo e il fallimento tecnico di Saint Seiya Souls Of Gold

Guardando la serie oggi, balza all'occhio una discrepanza imbarazzante tra il design delle armature e la qualità dei disegni. I dettagli delle corazze dorate sono così carichi di fregi e ali superflue che gli animatori faticano a muoverli. È il paradosso della bellezza statica: abbiamo armature bellissime da esporre in vetrina, ma impossibili da animare degnamente in un prodotto che dovrebbe fare del movimento la sua forza. Le proporzioni saltano, i volti si deformano in ogni sequenza d'azione e i fondali appaiono piatti, privi di quell'anima che rendeva l'Asgard degli anni Ottanta un luogo di malinconia e ghiaccio. Io ricordo bene la tensione drammatica della vecchia saga dei Cavalieri di Odino; c'era un senso di tragedia imminente, un destino che gravava sulle spalle dei guerrieri. Qui tutto sembra girato in un set teatrale di cartapesta dove i protagonisti recitano battute già sentite, aspettando solo il momento di mostrare il loro nuovo giocattolo scintillante.

Lo scettico dirà che il budget per una produzione destinata allo streaming web non può competere con quello di una serie televisiva o di un film per il cinema. Ma questa è una scusa che non regge quando si parla di un marchio che genera miliardi di yen. Il risparmio sui costi di produzione è stata una scelta deliberata. Si è scommesso sul fatto che il fan avrebbe ignorato i difetti tecnici pur di vedere il proprio segno zodiacale preferito trionfare sullo schermo. È una forma di sfruttamento emotivo che l'industria giapponese ha perfezionato nell'ultimo decennio. Hanno preso la struttura classica del viaggio dell'eroe e l'hanno svuotata, lasciando solo l'estetica. Se osservi il ritmo dei combattimenti, noterai che sono brevi, privi di coreografia reale, risolti spesso con un unico colpo finale che serve a mostrare l'armatura in tutta la sua gloria statica. Non è un duello, è uno spot pubblicitario di ventidue minuti.

La trama stessa soffre di questa schiavitù verso il prodotto fisico. L'introduzione di nuovi nemici, i Cavalieri di Asgard che rimpiazzano i leggendari guerrieri di un tempo, manca di qualsiasi spessore psicologico. Sono carne da macello, ostacoli messi lì solo per permettere ai protagonisti di salire di livello come in un videogioco di basso profilo. Molti sostengono che il ritorno dei dodici guerrieri dorati sia stato un regalo per chi li aveva visti morire contro il Muro del Pianto, ma riportarli in vita senza una vera ragione filosofica svilisce il loro sacrificio supremo. Se la morte è reversibile per motivi di marketing, allora il dramma scompare e resta solo lo spettacolo vuoto. La narrazione diventa un accessorio, un libretto di istruzioni leggermente più elaborato che accompagna l'acquisto di un pezzo di plastica e metallo.

La resistenza dei fan e il peso della nostalgia

C'è una corrente di pensiero, molto forte nelle comunità italiane di appassionati, che difende queste produzioni a spada tratta. Dicono che è meglio avere qualcosa piuttosto che il nulla assoluto, che il franchise deve restare vivo per le nuove generazioni. Io trovo che questa mentalità sia il freno più grande alla qualità. Accettare la mediocrità solo perché porta il nome di un brand che amiamo non è amore per l'opera, è pigrizia intellettuale. I dati di vendita delle edizioni home video e dei gadget correlati mostrano che il pubblico è disposto a perdonare tutto. Questo i produttori lo sanno bene. Perché investire in sceneggiatori di alto livello o in studi di animazione d'élite quando puoi ottenere lo stesso risultato economico con la metà dell'impegno? La qualità non è più un requisito, è un'opzione facoltativa che viene scartata se il ritorno sull'investimento non è immediato e massiccio.

Non si tratta di essere puristi o nostalgici del tempo che fu, ma di pretendere rispetto per l'intelligenza dello spettatore. La differenza tra un'opera d'arte e un prodotto industriale risiede nell'intento. Quando guardi i capitoli storici della saga, percepisci il sudore degli artisti, la voglia di spingere il medium oltre i propri limiti. Qui si percepisce solo la scansione dei codici a barre. Il mito dei cavalieri si basava sulla ricerca della perfezione interiore, sul superamento dei limiti umani attraverso l'espansione del Cosmo. Trasformare questa ricerca in una sfilata di moda per corazze alate è il tradimento finale del messaggio di Kurumada. Se il Cosmo è energia infinita, qui sembra essere stato ridotto a una batteria ricaricabile che si attiva solo quando c'è da vendere una nuova variante cromatica dello stesso personaggio.

I critici spesso dimenticano che il mercato europeo, e quello italiano in particolare, è stato il pilastro che ha tenuto in piedi questo universo per anni. Eppure veniamo trattati come consumatori di seconda classe, pronti a bere qualsiasi cosa purché abbia il sapore del passato. La questione non riguarda solo la coerenza narrativa, ma la dignità di un intero settore. Se permettiamo che il modello di business di questa produzione diventi lo standard, allora non vedremo mai più storie originali o rischiose. Vedremo solo continui reboot, spinoff e midquel pensati per massimizzare le vendite dei giocattoli. La creatività viene messa in gabbia, costretta a muoversi in binari strettissimi dove l'unico finale possibile è quello che garantisce la produzione di almeno dodici nuovi stampi per le fabbriche.

Il meccanismo dietro la creazione del mito commerciale

Per capire come siamo arrivati a questo punto, bisogna analizzare il funzionamento interno delle commissioni di produzione giapponesi. Non c'è un singolo autore che decide il destino di questi personaggi. C'è un comitato composto da rappresentanti delle reti televisive, agenzie pubblicitarie e, soprattutto, produttori di giocattoli. In questo contesto, lo sceneggiatore è solo un tecnico che deve incastrare i pezzi del puzzle forniti dagli sponsor. Se Bandai decide che il Leone deve avere una nuova spada, lo sceneggiatore deve trovare un modo, per quanto assurdo, di fargliela impugnare. Saint Seiya Souls Of Gold è l'esempio perfetto di questa sottomissione. La coerenza con il passato viene sacrificata ogni volta che entra in conflitto con la necessità di inserire un nuovo elemento vendibile. È una scrittura per sottrazione, dove si toglie profondità per fare spazio alla lucentezza del metallo.

Molti hanno lodato l'idea di esplorare i rapporti tra i cavalieri d'oro, vedendo in questo un approfondimento caratteriale. A me sembra che si sia trattato di un fan-service becero. Le interazioni sono superficiali, basate su stereotipi che i fan hanno alimentato per anni nei forum e nelle fanfiction. Non c'è una vera evoluzione, solo una conferma di ciò che il pubblico già si aspettava di vedere. È un'eco che rimbalza tra produttore e consumatore, senza che nessuno dei due introduca un elemento di novità reale. Il rischio è che questo ciclo infinito di ripetizione finisca per soffocare l'opera originale, rendendola solo uno dei tanti tasselli di un catalogo commerciale infinito e senza anima. Quando tutto diventa speciale, niente lo è più. Se ogni cavaliere ha poteri divini, il concetto di divinità perde la sua aura di inarrivabile potenza.

Il successo di questa operazione è innegabile dal punto di vista economico, e questo è l'aspetto più deprimente della faccenda. Conferma ai piani alti che la qualità dell'animazione è un fattore secondario rispetto alla forza del marchio. Abbiamo visto episodi con fondali riciclati, animazioni statiche che sembrano PowerPoint e una gestione dei tempi narrativi che fa acqua da tutte le parti. Eppure, le statuine sono andate a ruba. Questo crea un precedente pericoloso. Se il mercato premia il minimo sforzo, perché qualcuno dovrebbe mai più sforzarsi? L'industria dell'animazione sta diventando una catena di montaggio che sforna contenitori vuoti, bellissimi fuori ma privi di sostanza dentro. Siamo passati dall'animazione come arte all'animazione come catalogo interattivo.

Il futuro del settore sembra segnato da questa tendenza. Ogni volta che un vecchio marchio viene riesumato, dovremmo chiederci se c'è una storia da raccontare o solo un magazzino da svuotare. La risposta è quasi sempre la seconda. La capacità di meravigliarsi, che era il motore delle prime saghe, è stata sostituita dal desiderio di possedere l'oggetto fisico. Abbiamo barattato l'emozione di un racconto ben scritto con il piacere tattile di un modellino articolato. È un commercio equo? Per le aziende coinvolte sicuramente sì. Per chi ancora crede che le storie abbiano un peso e una responsabilità, è una sconfitta su tutta la linea. Il mito è morto, o forse è solo stato messo in scatola e venduto al miglior offerente, completo di accessori intercambiabili e una base espositiva inclusa nel prezzo.

Non c'è spazio per il dubbio quando i numeri parlano chiaro, ma il giornalismo ha il dovere di guardare oltre il bilancio aziendale. Dobbiamo avere il coraggio di dire che l'operazione non è stata un successo creativo, ma un trionfo della logistica. I Cavalieri d'Oro meritavano un palcoscenico migliore di una serie che sembra un lungo trailer per la prossima fiera del giocattolo di Tokyo. La loro eredità è stata usata come carburante per alimentare una macchina che non sa più dove andare, ma sa benissimo come far pagare il biglietto. Forse, tra qualche anno, riguarderemo a questo periodo come il momento in cui l'animazione ha smesso di sognare e ha iniziato a contare i centesimi. Nel frattempo, ci restano le armature scintillanti, bellissime e inutili, a ricordarci che anche il sacro può essere messo in saldo se il packaging è abbastanza accattivante.

La verità è che il valore di un'opera non risiede nella quantità di oro che mette in mostra, ma nel coraggio di raccontare qualcosa che resti nel tempo per motivi che non siano puramente estetici. Questa serie ha scelto la strada più facile, quella della gratificazione istantanea e del collezionismo compulsivo. Ha trasformato dei martiri in modelli da passerella, togliendo loro la gravità del destino per dar loro la leggerezza della plastica. Se questo è il futuro che vogliamo per i nostri eroi, allora dobbiamo accettare il fatto che non siamo più spettatori, ma semplici ingranaggi di una strategia di vendita globale. Il mito non ci appartiene più; appartiene ai consigli di amministrazione che decidono quale sfumatura di dorato attirerà meglio la nostra attenzione nel prossimo catalogo stagionale.

Il vero tradimento non è stato cambiare le regole del gioco, ma averci convinto che stavamo guardando un nuovo capitolo di un'epopea quando in realtà stavamo solo assistendo a una televendita molto costosa.