selvart parco arte natura foto

Marco cammina curvo, le mani segnate da anni di confidenza con la sgorbia e il freddo delle prealpi vicentine. Non guarda la cima delle montagne, ma il terreno, dove le radici di un abete abbattuto dalla tempesta Vaia si intrecciano come dita nodose in cerca di un ultimo appiglio. Siamo a Mezzaselva di Roana, sull'Altopiano di Asiago, e qui il silenzio non è un’assenza di suono, ma una presenza densa, fatta di resina che cola e passi che affondano nel muschio umido. In questo angolo di mondo, la creatività non sfida il tempo, ma lo corteggia, accettando che ogni opera sia destinata a tornare terra. È la filosofia che anima Selvart Parco Arte Natura Foto, un luogo dove l'espressione estetica non viene custodita sotto una teca di vetro, ma lasciata libera di marcire, di fiorire e di trasformarsi sotto i colpi del vento e della neve. Qui, l'artista non è che un collaboratore temporaneo di una forza molto più vasta e indifferente.

La storia di questo luogo inizia con lo schianto. Nel 2018, la tempesta Vaia ha riscritto la geografia sentimentale di queste valli, abbattendo milioni di alberi in una sola notte di furia meteorologica. Quello che per molti era un cimitero di tronchi schiantati, per Marco Martalar e i sognatori di questo progetto è diventato un vocabolario. Il legno morto non era un rifiuto, ma una materia prima carica di una memoria traumatica che chiedeva di essere rielaborata. Non si trattava di ripulire il bosco, ma di ascoltare ciò che il bosco, nel suo dolore, aveva ancora da dire. L'idea di un percorso che unisse l'installazione scultorea alla documentazione visiva è nata quasi per necessità, per dare un senso a quel vuoto improvviso tra le chiome degli alberi.

Camminando lungo i sentieri, ci si imbatte in figure che sembrano emergere direttamente dalla corteccia. Creature mitologiche, animali che paiono balzare fuori dal sottobosco, volti umani i cui lineamenti sono dettati dalle venature naturali del larice o del faggio. Non c'è la pretesa di perfezione della statuaria classica. C'è invece una ruvidezza onesta, una vibrazione che parla di fatica e di rispetto. L'occhio del visitatore viene costantemente guidato a cambiare prospettiva, a cercare l'angolazione in cui la luce filtra tra i rami per illuminare un dettaglio che un istante prima era invisibile. Questa dinamica trasforma il cammino in un esercizio di attenzione estrema, una forma di meditazione dinamica che riconnette l'uomo moderno, abituato ai pixel, alla densità della materia organica.

La Fragilità Condivisa di Selvart Parco Arte Natura Foto

L'arte che sceglie la natura come casa accetta un patto di decadenza. In un'epoca ossessionata dalla conservazione digitale e dalla permanenza ad ogni costo, la scelta di esporre opere all'aperto, senza alcuna protezione contro gli elementi, assume un carattere quasi rivoluzionario. Il legno grigiastra, si spacca, ospita colonie di funghi e insetti. Le sculture cambiano volto con il passare delle stagioni. Una creatura che in estate appare fiera e solida, sotto il peso della neve invernale sembra piegarsi in una sofferenza silenziosa, per poi riemergere in primavera segnata da nuove rughe, nuove crepe che ne aumentano la profondità emotiva.

Il Tempo delle Mani e il Tempo dei Boschi

Esiste una tensione costante tra il tempo breve dell'esecuzione tecnica e il tempo lungo della decomposizione biologica. L'artista trascorre settimane a levigare una superficie, sapendo perfettamente che la pioggia acida o il gelo dei mille metri di quota inizieranno a disfare il suo lavoro nel momento stesso in cui deporrà gli attrezzi. Questa consapevolezza conferisce alle installazioni una carica vitale che le opere museali raramente possiedono. Sono esseri viventi nel senso biologico del termine, soggetti al medesimo ciclo di nascita e morte che governa le felci e i caprioli che abitano queste selve.

Chi osserva non è solo uno spettatore passivo. Il visitatore è chiamato a testimoniare un processo in divenire. Non si va a vedere una statua, si va a trovare un vecchio amico per vedere come è invecchiato dall'ultima volta. Si nota che un braccio di legno è caduto, che un occhio scavato nel tronco si è riempito di muschio verde smeraldo, rendendo lo sguardo della figura ancora più penetrante. È una lezione di umiltà che arriva senza parole, attraverso la vista e l'olfatto, mentre l'odore della decomposizione nobile del legno si mescola al profumo pungente degli aghi di pino.

Questa interazione non riguarda solo la scultura, ma anche il modo in cui essa viene percepita attraverso l'obiettivo. La fotografia diventa un atto di archiviazione di un istante che non tornerà. Catturare l'ombra di un'opera alle tre di un pomeriggio di ottobre significa possedere un frammento di bellezza che la natura stessa provvederà a cancellare o modificare entro la sera successiva. È una caccia al tesoro dove il premio non è l'oggetto, ma l'emozione della scoperta di un equilibrio perfetto, ancorché precario, tra l'ingegno umano e la spontaneità dell'ambiente circostante.

Le radici di questa esperienza affondano nella Land Art, ma con una declinazione profondamente locale e artigianale. Se i grandi nomi americani degli anni Sessanta intervenivano sul paesaggio con mezzi pesanti e trasformazioni monumentali, qui l'intervento è sussurrato. Si usa ciò che si trova sul posto. Si ricicla la morte della foresta per celebrare la resistenza della cultura. È una forma di ecologia integrale che non si limita a proteggere l'ambiente, ma lo abita poeticamente, riconoscendo che l'uomo non è un elemento estraneo al bosco, ma una delle sue tante espressioni, forse la più complessa e contraddittoria.

La Memoria Visiva e il Linguaggio della Selva

Ogni scatto realizzato tra questi sentieri racconta una storia diversa. C’è chi si concentra sul dettaglio infinitesimale, sulla trama della fibra legnosa che imita la pelle umana, e chi cerca il campo largo, cercando di integrare la scultura nel maestoso profilo delle montagne circostanti. La componente fotografica non è un’aggiunta postuma, ma un pilastro dell’esperienza stessa. In un mondo saturato da immagini prodotte in serie, la fotografia di queste opere richiede pazienza. Bisogna attendere che la nuvola giusta passi sopra la radura, che il vento smetta di agitare i rami, che l'ombra si allunghi fino a toccare il piede della figura scolpita.

Questa ricerca estetica spinge a una riflessione sul nostro rapporto con l'immagine. Spesso usiamo la fotocamera per possedere un luogo, per dire "io c'ero". Qui, la macchina fotografica serve a documentare una sparizione lenta. È un diario di bordo di un viaggio verso il nulla, o meglio, verso il tutto della trasformazione naturale. Documentare Selvart Parco Arte Natura Foto significa accettare la sfida di ritrarre l'invisibile, ovvero il passaggio del tempo che lavora incessantemente sulla materia. Non è un caso che molti visitatori tornino più volte nello stesso anno, quasi a voler verificare la tenuta di quel dialogo tra uomo e selva.

L’impatto sociale di un progetto simile non va sottovalutato. In aree montane che rischiano lo spopolamento o la trasformazione in parchi giochi per turisti distratti, un percorso d’arte di questo tipo offre una ragione per fermarsi, per rallentare il passo. Non è un’attrazione da consumare in dieci minuti per poi passare alla successiva. Richiede fiato, scarponi sporchi e la disponibilità a perdersi un po' tra le indicazioni a volte incerte dei sentieri. È un turismo dell'anima che rigenera non solo chi cammina, ma anche la comunità che custodisce questi luoghi, offrendo una visione del futuro che non rinnega le ferite del passato.

Le tempeste come Vaia sono moniti terribili della nostra fragilità climatica, ma la risposta che nasce dal recupero artistico suggerisce che il dolore può essere trasformato in struttura. Le sculture non cancellano il ricordo del disastro, lo nobilitano. Ogni scheggia di legno che compone le opere è un frammento di quella notte di schianti, un pezzo di foresta che ha smesso di respirare come albero per iniziare a parlare come simbolo. È un passaggio di stato, un'alchimia montana che trasforma la tragedia in una forma di bellezza malinconica e potente.

Mentre il sole inizia a calare dietro le vette dell'Altopiano, le ombre delle sculture si allungano sul sentiero, diventando esse stesse parte dell'installazione. Le figure sembrano quasi muoversi, riprendere possesso del territorio che è stato loro assegnato. In questo crepuscolo, il confine tra ciò che è stato creato dall'uomo e ciò che appartiene alla terra si fa sottile, quasi impercettibile. Si avverte una strana forma di pace, la consapevolezza che, nonostante tutto, la vita trova sempre un modo per riemergere, anche attraverso le ferite di un tronco o la visione di un artista solitario.

Non c'è una guida che spieghi cosa provare davanti a un gigante di rami intrecciati che scruta l'orizzonte. L'emozione nasce dal contrasto tra la grandezza del gesto e la semplicità dei mezzi. Un uomo, una sega, un'idea e un bosco che ha sofferto. È un'equazione elementare che produce risultati complessi, capaci di toccare corde profonde in chiunque abbia mai provato un senso di smarrimento di fronte alla forza della natura. Qui non si celebrano vittorie, ma coesistenze. Non si cerca di dominare il paesaggio, ma di farne parte, accettando con serenità il proprio ruolo di ospiti temporanei in un regno che esisteva molto prima di noi e che continuerà a mutare molto dopo il nostro passaggio.

Sotto un cielo che si tinge di indaco, una vecchia radice sagomata a forma di mano sembra voler afferrare l'ultima luce del giorno, prima di arrendersi all'oscurità e al lento, inesorabile ritorno verso la polvere.