Se pensi che le commedie moderne siano esagerate, probabilmente non hai mai visto il caos cromatico e stilistico di What A Way To Go Film. Parliamo di un'opera del 1964 che oggi definiremmo un trip sotto acido, ma con il budget di una major di Hollywood e un cast che farebbe impallidire qualsiasi produzione contemporanea. Shirley MacLaine attraversa lo schermo cambiando mariti come fossero scarpe, e ogni volta che uno di loro muore — ed è lì che sta il bello — lei diventa sempre più oscenamente ricca. Non è solo un film. Rappresenta una satira spietata del sogno americano, della brama di successo e della sfortuna che colpisce chi desidera solo una vita semplice. Mi sono chiesto spesso perché oggi non si facciano più pellicole così coraggiose visivamente. La risposta è semplice: costerebbe troppo e nessuno avrebbe il fegato di rischiare su una sceneggiatura così assurda.
La satira sociale dietro What A Way To Go Film
Il cuore della storia gira intorno a Louisa May Foster. Lei vuole solo l'amore povero e sincero. Ma il destino ha un senso dell'umorismo perverso. Ogni uomo che sposa, partendo da condizioni di estrema povertà o mediocrità, finisce per accumulare fortune immense poco prima di passare a miglior vita. È un paradosso continuo. La protagonista cerca di fuggire dal materialismo, ma il materialismo la insegue sotto forma di assegni a sei zeri e ville monumentali.
Il ruolo dei mariti e la parodia dei generi
Ogni segmento del racconto è girato con uno stile cinematografico diverso, parodiando i grandi classici dell'epoca. C'è la sequenza del cinema muto, quella che ricorda i musical sfarzosi di Broadway e persino una parte che scimmiotta il cinema d'autore europeo, tutto fumo e sguardi intensi. Paul Newman interpreta un artista bohémien a Parigi che, grazie a una macchina stramba che dipinge a ritmo di musica, diventa il re del mercato dell'arte. Questa è una critica diretta alla mercificazione della creatività. Newman è perfetto nel ruolo, con quel distacco ironico che solo lui sapeva dare.
Poi arriva Dick Van Dyke, il povero diavolo che vuole solo gestire un piccolo emporio. In pochi minuti si trasforma in un magnate dell'industria, divorato dal lavoro e dallo stress. Qui il messaggio è chiaro: l'ambizione ti uccide, letteralmente. Il ritmo della narrazione non ti lascia respiro. Passi dal ridere per una gag fisica al riflettere su quanto sia effimero il potere economico. È un’altalena emotiva gestita con una maestria tecnica che oggi è merce rara nei blockbuster.
L'estetica di Edith Head e il budget faraonico
Non si può parlare di questa produzione senza citare i costumi. Edith Head, la leggendaria costumista di Hollywood, ha creato per la MacLaine un guardaroba da milioni di dollari. Ogni abito è pensato per coordinarsi con i set, che cambiano colore in base al "capitolo" della vita della protagonista. Quando lei è a Parigi, tutto è rosa. Quando è la moglie del magnate, l'oro e il lusso sfrenato invadono ogni pixel della pellicola. Questi dettagli non sono messi lì per caso. Servono a mostrare quanto il denaro possa diventare soffocante, una gabbia dorata che annulla la personalità di chi lo possiede.
Il cast stellare e le interpretazioni iconiche
Oltre a Newman e Van Dyke, troviamo Robert Mitchum e Gene Kelly. Mitchum interpreta il miliardario indifferente che ha già tutto. La sua morte è forse la più ironica di tutte, causata da un incidente che coinvolge un toro. Sì, hai letto bene. Gene Kelly invece interpreta una stella del varietà che finisce calpestata dai suoi stessi fan durante una prima cinematografica. La scelta di questi attori non è casuale. Ognuno rappresenta un archetipo della mascolinità hollywoodiana dell'epoca. Vedere queste icone prestarsi a ruoli così sopra le righe è un piacere puro per chiunque ami il cinema.
Shirley MacLaine e la forza del personaggio femminile
Nonostante la presenza di tanti uomini famosi, lei rimane il perno centrale. La sua capacità di passare dalla commedia slapstick alla disperazione silenziosa è incredibile. Riesce a rendere credibile una donna che si sente maledetta dalla fortuna. Molte attrici avrebbero interpretato Louisa come una vittima passiva, ma lei le dà un'energia vulcanica. È lei che guida il gioco, anche quando sembra che il destino le stia remando contro.
Se vuoi approfondire la filmografia dell'attrice e capire il contesto in cui si muoveva la produzione cinematografica di quegli anni, ti consiglio di dare un'occhiata al sito ufficiale dell' Academy of Motion Picture Arts and Sciences, dove spesso pubblicano retrospettive sui grandi classici restaurati. Noterai come la tecnica di ripresa di quel periodo fosse molto più artigianale e complessa di quanto pensiamo oggi.
Perché guardare oggi What A Way To Go Film
Il motivo principale è l'originalità. Viviamo in un'epoca di sequel, reboot e remake senza fine. Questo titolo invece brilla per un'identità unica. È un'opera che non chiede scusa per la sua stravaganza. Se sei un appassionato di design o di moda, troverai pane per i tuoi denti. Le scenografie sono un manuale di stile degli anni '60, con quell'estetica mid-century modern che sta tornando prepotentemente di moda.
Un esempio illustrativo del cinema di transizione
Immagina di essere un regista nel 1964. Il sistema dei grandi studi sta crollando. La censura del Codice Hays sta svanendo. Hai la possibilità di osare. Questa pellicola è il risultato di quella libertà. È un ponte tra la Hollywood classica e la rivoluzione che sarebbe arrivata pochi anni dopo con la New Hollywood. Non ha paura di essere volgare, non ha paura di essere assurda. Si prende gioco dei valori tradizionali del matrimonio e del successo lavorativo con una cattiveria sottile, nascosta dietro una facciata di colori pastello.
Per chi studia storia del costume o scenografia, ogni inquadratura è una lezione. Puoi notare come l'illuminazione venga usata per sottolineare l'artificialità degli ambienti. Nulla è reale, tutto è costruito per sembrare "troppo". Ed è esattamente questo il punto. Il film ci dice che il successo americano è una costruzione scenica, una facciata che nasconde un vuoto esistenziale profondo.
Dettagli tecnici e curiosità dal set
Si dice che il budget per i soli abiti di Shirley MacLaine superasse quello di intere produzioni dello stesso anno. Edith Head ricevette l'ennesima nomination all'Oscar per questo lavoro, e guardandolo capisci perché. La cura per i dettagli è maniacale. Persino le acconciature cambiano drasticamente per riflettere lo stato mentale della protagonista.
La regia di J. Lee Thompson
Thompson non è un nome che si sente spesso oggi, ma era un regista solido, capace di passare dal thriller d'azione alla commedia sofisticata. La sua direzione qui è dinamica. Usa angolazioni di ripresa insolite per l'epoca, cercando di rompere la quarta parete in modo visivo. Le sequenze dei "sogni" cinematografici sono piccoli capolavori di montaggio.
Molti critici dell'epoca non lo capirono subito. Lo trovarono troppo chiassoso. Ma il tempo gli ha dato ragione. Oggi lo guardiamo e vediamo un precursore del cinema postmoderno. C'è un'autoironia che ritroveremmo anni dopo nei lavori di registi come Wes Anderson. Quell'attenzione ossessiva per la simmetria e il colore ha radici proprio in queste produzioni degli anni '60.
Confronto con le commedie contemporanee
Se paragoniamo questa opera alle commedie moderne, la differenza è abissale. Oggi si punta molto sul dialogo rapido, sulle battute volgari o sulla situazioni imbarazzanti. Qui la comicità nasce dal contrasto tra l'immagine e la realtà. La risata arriva perché la situazione è talmente estrema da diventare grottesca.
- L'uso del colore: Oggi usiamo filtri digitali spesso piatti. In quel periodo si usava il Technicolor per far esplodere lo schermo.
- Il ritmo: Non c'è fretta di arrivare alla battuta. Si costruisce l'ambiente, si lascia che lo spettatore assorba l'atmosfera.
- Il cast: Mettere insieme cinque dei più grandi attori del mondo in un unico progetto oggi sarebbe logisticamente ed economicamente impossibile per quasi tutti gli studi.
Puoi trovare riferimenti storici interessanti sulla gestione degli studios dell'epoca visitando il sito del American Film Institute, che conserva documenti preziosi sulla produzione di quegli anni d'oro. È affascinante vedere come venivano gestiti i contratti degli attori e quanto potere avessero ancora le major.
Errori comuni nella percezione del film
Molti pensano che sia solo una commedia leggera senza pretese. Sbagliato. È una critica feroce al capitalismo. Ogni morte di un marito è una lezione su come l'accumulo di ricchezza corrompa l'animo umano. Quando Louisa cerca di donare i suoi soldi al governo, viene vista come una pazza o una rivoluzionaria pericolosa. Questo ci dice molto su come la società percepisca chi rifiuta il sistema.
Un altro errore è considerarlo datato. Certo, i capelli e le auto sono d'epoca, ma il tema dell'insoddisfazione cronica nonostante il successo materiale è più attuale che mai. In un mondo dominato dai social media dove dobbiamo tutti apparire vincenti, la storia di una donna che vuole solo essere "normale" risuona con forza.
Come godersi al meglio la visione
Non guardarlo mentre controlli lo smartphone. Ti perderesti la metà dei riferimenti visivi. È un'esperienza che va assorbita con gli occhi. Presta attenzione a come cambia la musica in ogni segmento. Il compositore Nelson Riddle ha fatto un lavoro incredibile nel creare temi musicali che si adattano ai diversi generi parodiati.
Dove trovarlo e come approcciarsi
Oggi è disponibile su diverse piattaforme di streaming o in edizioni Blu-ray restaurate. Ti consiglio la versione restaurata perché i colori originali sono parte integrante del racconto. Se lo guardi in una versione a bassa risoluzione, perdi il 50% della magia.
Non aspettarti una trama lineare e logica nel senso moderno. Accetta l'assurdità. Entra nel gioco della protagonista. Lasciati trasportare da questa parata di stelle che sembrano divertirsi un mondo a prendersi poco sul serio. È raro vedere Paul Newman fare la parte di un artista svitato che dipinge con le biciclette. Goditi quel momento.
Passaggi pratici per approfondire il cinema d'epoca
Se dopo aver visto questa pellicola ti è venuta voglia di esplorare meglio quel periodo d'oro, ecco cosa dovresti fare. Non limitarti a una visione passiva. Il cinema è una stratificazione di influenze e per capirlo davvero serve un po' di curiosità attiva.
- Cerca i lavori di Edith Head: Guarda altri film dove ha curato i costumi, come quelli di Hitchcock. Noterai una continuità stilistica impressionante e capirai perché era la preferita di tutte le dive.
- Confronta le parodie: Se non conosci i generi che il film parodia (il muto, il musical, il cinema francese), recupera qualche classico di quegli anni. Solo così capirai quanto sia intelligente la satira proposta.
- Leggi le recensioni dell'epoca: Cerca negli archivi dei giornali storici cosa ne pensavano i critici nel 1964. Spesso erano molto più severi di noi, e capire il perché ti aiuterà a inquadrare il contesto culturale di allora.
- Analizza la scenografia: Prendi un fermo immagine di una stanza e guarda quanti oggetti ci sono. Ogni elemento è posizionato per raccontare qualcosa del personaggio che la abita. È un esercizio fantastico per allenare l'occhio.
La bellezza di questo approccio è che non finisce mai. Ogni film ne richiama un altro. La storia della protagonista è solo la punta dell'iceberg di un modo di fare cinema che metteva l'eccesso e la creatività visiva davanti a tutto il resto. In un panorama cinematografico che spesso sembra fatto con lo stampino, tornare a queste gemme del passato è un toccasana per la mente e per gli occhi. Non aver paura di esplorare i titoli meno noti di questi grandi attori; spesso è proprio lì che si nascondono le interpretazioni più autentiche e fuori dagli schemi.
