La luce del pomeriggio entra di sbieco nello studio, tagliando l'aria densa di polvere sottile e l'odore pungente del caffè appena versato. Non è una luce qualsiasi; è quella frazione di secondo in cui l'oro del sole napoletano colpisce la curva di un piatto di ceramica bianca, trasformando un oggetto inanimato in un palcoscenico di riflessi. Sulle pareti non ci sono stampe patinate o poster pubblicitari, ma una sequenza di istanti catturati che sembrano sfidare la forza di gravità. Ogni immagine racconta una tensione invisibile, un momento di stasi perfetta prima che il caos riprenda il sopravvento sulla materia. In questo spazio sacro, osservare le Foto di Ferdinando Simeoli Equilibri di Gusto significa immergersi in una ricerca che va ben oltre la semplice documentazione culinaria. È un'indagine sulla stabilità dell'anima attraverso la composizione degli oggetti.
Ferdinando si muove tra i cavalletti con una precisione che ricorda quella di un chirurgo, ma con la sensibilità di chi sa che un millimetro di troppo può rompere l'incantesimo. La sua non è solo tecnica; è una forma di ascolto. Quando posiziona una forchetta o una goccia d'olio, non sta cercando l'estetica del bello fine a se stessa. Sta cercando quel punto cieco dove il peso si annulla e la forma diventa pura astrazione. In queste opere, il cibo smette di essere nutrimento per diventare alfabeto. Una mela non è più un frutto, ma una sfera rossa che dialoga con la spigolosità di un coltello d'acciaio. La composizione si regge su un filo sottile, un equilibrio precario che riflette la fragilità delle nostre certezze quotidiane.
Le Foto di Ferdinando Simeoli Equilibri di Gusto come Specchio del Disordine
Guardare queste immagini significa accettare una sfida silenziosa. In un'epoca in cui siamo bombardati da una sovrabbondanza visiva che predilige il volume alla qualità, il lavoro di questo artista impone un rallentamento forzato del battito cardiaco. Ogni scatto richiede tempo per essere decodificato. Non si tratta di guardare, ma di osservare come le ombre si allungano sui tessuti grezzi o come la trasparenza di un calice di vino possa contenere l'intero universo cromatico di una stanza. La fotografia diventa così un atto di resistenza contro la velocità, un modo per fermare il flusso indistinto del tempo e dire che, per un solo istante, tutto è stato esattamente dove doveva essere.
L'estetica della sottrazione
La vera maestria risiede in ciò che viene tolto, non in ciò che viene aggiunto. In questo processo di semplificazione estrema, ogni elemento rimasto acquisisce una potenza simbolica devastante. Una briciola di pane isolata su un piano di pietra scura non è un avanzo, ma una testimonianza di presenza umana, un frammento di vita che ha trovato la sua collocazione definitiva. L'artista lavora per sottrazione, eliminando il rumore di fondo finché non rimane solo l'essenza dell'oggetto. Questa pulizia formale non è freddezza, ma una forma superiore di rispetto per la materia.
C'è una solitudine intrinseca in queste composizioni. Non ci sono volti, non ci sono mani che afferrano o bocche che consumano. Eppure, l'uomo è onnipresente. È presente nel gesto che ha disposto gli elementi, nell'occhio che ha scelto l'angolazione, nel respiro trattenuto per non far oscillare quella costruzione impossibile. È una presenza che si manifesta attraverso l'assenza, invitando chi guarda a occupare quello spazio vuoto con i propri ricordi e le proprie sensazioni. Ogni scatto diventa un invito a sedersi a quella tavola immaginaria, non per mangiare, ma per contemplare la geometria del proprio vissuto.
Il Peso Specifico dell'Intuizione
Per capire come nasca una tale precisione, bisogna guardare alle radici di una cultura che ha fatto del cibo un linguaggio sacro. La Campania non è solo un luogo geografico per Simeoli, ma un serbatoio di archetipi visivi. I mercati rionali, con le loro piramidi di agrumi e i pesci d'argento adagiati sul ghiaccio, sono stati la sua prima scuola. Lì ha imparato che la bellezza non risiede nell'ordine perfetto dei musei, ma nella vitalità di un caos che cerca costantemente il suo centro. La sua fotografia è la sintesi di questo percorso: un tentativo di dare ordine a quel fermento, di trovare una struttura logica nel disordine organico della vita.
I suoi strumenti sono semplici, quasi rudimentali se paragonati alla tecnologia digitale che satura il mercato. Una macchina fotografica, una lente di qualità, ma soprattutto la pazienza infinita di chi sa aspettare che la luce faccia il suo lavoro. Non ci sono trucchi di post-produzione che possano sostituire la verità di un'ombra naturale. Questa onestà intellettuale è ciò che rende le sue immagini così magnetiche. Esse non mentono all'osservatore; mostrano la realtà elevata a una potenza poetica che di solito ci sfugge perché siamo troppo impegnati a guardare altrove.
Il processo creativo è una danza solitaria. Spesso passano ore prima che un singolo scatto venga realizzato. Si prova, si sposta, si osserva, si ricomincia. È un esercizio di umiltà di fronte alla materia. Se un elemento non vuole stare in equilibrio, non lo si forza. Si cambia prospettiva. Si accetta che la materia abbia una sua volontà. Questa lezione di flessibilità è forse l'aspetto più profondo del suo lavoro. Insegna che la perfezione non è un obiettivo da raggiungere con la forza, ma una sintonia da trovare con l'ambiente circostante. Quando quella sintonia scatta, il rumore del mondo scompare e rimane solo il silenzio dorato dell'immagine.
La Narrazione dei Sensi Oltre la Vista
Sebbene la fotografia sia un medium visivo, le opere di Simeoli parlano a tutti i sensi. Guardando una superficie di legno venato, sembra quasi di poterne percepire la ruvidità sotto i polpastrelli. L'umidità su una foglia di basilico evoca l'odore fresco dell'orto all'alba. È una sinestesia continua che trasforma lo spettatore da osservatore passivo a partecipante attivo. Non è un caso che i suoi lavori siano scelti da chi vuole raccontare la profondità di un prodotto, perché riescono a trasmettere l'anima del cibo prima ancora del suo aspetto esteriore.
In un'ultima serie di lavori, l'artista ha esplorato il concetto di gravità applicata ai liquidi. Una goccia che cade, un flusso di vino che si avvita nell'aria: catturare questi momenti richiede una sincronia quasi magica tra occhio e macchina. Ma anche qui, l'attenzione non è rivolta alla spettacolarità del movimento, bensì alla struttura che il liquido assume in quel decimo di secondo. È una scultura liquida, effimera e irripetibile, che grazie all'obiettivo diventa eterna. Questo contrasto tra l'estrema fragilità dell'istante e la solidità dell'immagine stampata è il cuore pulsante della sua poetica.
La luce agisce come un pennello che definisce i volumi, ma è l'ombra a dare la profondità emotiva. Le zone d'ombra nelle sue fotografie non sono buchi neri, ma spazi densi di possibilità. È lì che l'immaginazione del lettore si rifugia. In un mondo che vuole illuminare tutto, che vuole rendere ogni dettaglio visibile e ovvio, Simeoli rivendica il diritto al mistero. Ci ricorda che non tutto deve essere spiegato, che c'è una bellezza indicibile in ciò che rimane appena accennato, ai margini della visione.
C'è un senso di pace che emana da queste composizioni, una pace che nasce dalla risoluzione dei conflitti. Ogni oggetto in bilico rappresenta un dubbio, una tensione, una paura. Vederlo fermo, immobile in un equilibrio che sembra miracoloso, offre una sorta di sollievo psicologico. È come se l'artista ci dicesse che, nonostante la precarietà della nostra condizione umana, è possibile trovare un punto di stabilità. Non è un equilibrio statico, ma dinamico, un continuo aggiustamento dei pesi che ci permette di rimanere integri anche quando il mondo intorno a noi sembra vacillare.
L'eredità di queste immagini risiede nella loro capacità di restare con noi molto tempo dopo aver chiuso il libro o essere usciti dalla mostra. Ci ritroviamo a guardare il tavolo della nostra cucina con occhi diversi, notando come la luce del mattino accarezza la tazzina del caffè o come le pieghe del tovagliolo creano valli d'ombra impreviste. È un dono di consapevolezza. La fotografia di Simeoli non si limita a ritrarre il mondo, ma ci insegna a vederlo di nuovo, a riscoprire lo stupore per le piccole cose che compongono la trama della nostra esistenza.
Nelle Foto di Ferdinando Simeoli Equilibri di Gusto si legge il desiderio di un uomo di fermare il vento. È un'impresa impossibile, lo sanno tutti, eppure lui ci riesce ogni volta che preme l'otturatore. Ci riesce perché non cerca di dominare la realtà, ma di danzare con essa. La sua è una lezione di gentilezza visiva, un approccio che sussurra invece di gridare, che suggerisce invece di imporre. E in questo sussurro troviamo una verità più profonda di qualsiasi analisi tecnica: la bellezza è un atto di fede.
Mentre la luce nello studio inizia a calare, l'artista ripone la sua attrezzatura. La giornata di lavoro finisce, ma gli equilibri che ha creato restano impressi sulla pellicola e nei pixel, pronti a sfidare il tempo. Fuori, il rumore della città riprende a scorrere impetuoso, indifferente alla precisione millimetrica di un chicco di melograno posato su un lastra di ardesia. Eppure, per chi ha visto quelle immagini, il mondo non sarà più lo stesso. Ci sarà sempre, da qualche parte nella mente, quel ricordo di perfezione, quel punto fermo in mezzo al divenire, quella promessa che, se guardiamo bene, tutto può ancora restare in equilibrio.
L'ultimo raggio di sole tocca il bordo di un piatto vuoto prima di scomparire dietro i tetti di Napoli, lasciando dietro di sé solo l'ombra di ciò che è stato perfetto.
